Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

El siguiente cuadro “Alegoría y Melancolía”, obra de Lucas Cranach (1472-1553), realizado en óleo y temple sobre madera, esta datado en 1528. Tiene unas medidas 113 x 72 cm.

Este cuadro es una obra temprana de Lucas Cranach que ha llegado hasta nosotros, esta modificado y cortado por la derecha porque las alas de la mujer sentada no aparecen. El cuadro identifica todos los objetos de la Melancolía: el perro, los niños, las herramientas, etc.

El siguiente cuadro “Una impresionante multitud: Fragmento de la pasión de Cristo”, obra de Hans Memling (1430-1494), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1537. Tiene unas medidas 20.3 x 58.4 cm.

El cuadro muestra una impresionante multitud mientras Cristo discurre entre los soldados romanos y pertenece a un fragmento de la Pasión de Cristo.

Hans Memling es un pintor que en sus obras recoge la tradición flamenca y reitera las formas de sus anteriores maestros. Su estilo es suave y delicado, con figuras bellas y un magnífico colorido. Aporta una concepción germánica, sensual, de la belleza humana y de los destacados fondos paisajísticos de sus cuadros. Es considerado uno de los pintores más importantes y que lograron crear verdaderas obras maestras de la pintura.

Unas de las obras de escultura “Dos monjes de luto”, obra de un escultor anónimo de la escuela de Bergundy, realizadas en alabastro, están datadas en el siglo XV.

Estas dos esculturas estuvieron en la tumba de Jean France, duque de Berry ( 1340-1416), ubicada en la Santa Capilla de Bourges, pertenecían a un grupo de cinco esculturas que fueron encargadas después de su muerte para la decoración de su tumba en 1450.

El siguiente cuadro “Tres leyendas de san Nicolás”, obra de Gerard David, realizado en temple sobre madera, esta datado entre 1500 y 1520. Tiene unas medidas de 55.9 x 33.7 cm.

En el primer cuadro de la izquierda aparece la figura de San Nicolás, se representa como un bebé recién nacido milagrosamente de pie y orando. En el panel central, es cuando el santo es ya mayor de edad, mirando a través de la ventana de la casa de una viuda empobrecida. De forma anónima entrega el dinero y proporcionará dotes de matrimonio (regalos) para las tres hijas del viudo y logra salvarlos de la miseria. Por último en el panel de la derecha, se muestra como un obispo reanimando a tres niños asesinados. San Nicolás fue arzobispo de Myra, Asia Menor, en el siglo IV, famoso por su bondad para con los niños, se asoció más tarde con Santa Claus. Los tres paneles formaban parte de una predela de un retablo mayor desmembrado (los otros paneles están en la Galería Nacional de Arte, Washington y el Museo de Toledo, Ohio).

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomas el Apóstol”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

El cuadro muestra la reunión que tuvo lugar en Abbanes donde se ve a Santo Tomas en Cesarea antes de coger el barco que le conduciría a extender la palabra de Dios con la predicación del Evangelio por tierras de la India. Según la tradición, el apóstol llegó a Muziris, en la India en el año 52 y bautizado varias personas, la fundación de lo que hoy se conocen como cristianos de santo Tomás o Nasranis.

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomas el Apóstol”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

Luca di Tommé fue un pintor activo desde 1355 hasta 1389, además también participó en política. Sirvió en el ayuntamiento (Consiglio Maggiore della Repubblica di Siena) en 1373. Su formación como pintor fue probablemente en el taller de los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti. También influyó en su trabajo Simone Martini.

El siguiente cuadro “Madonna y el Niño”, obra de Maestro del Bordado Follaje (1356-1389), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XV.

El cuadro fue atribuido al Maestro del Bordado del Follaje, activo en el siglo XV en los Países Bajos. Se desconoce si era un solo pintor o un grupo que practicaban la misma técnica artística. En todos los cuadros aparece el modelo de mujer en la Virgen idealizado por la cultura holandesa, los mismos colores en los ropajes y la misma proyección en el espacio.

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomás el Apóstol (3)”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

El cuadro pertenecía a una de las tablas de un políptico y narra la historia de Santo Tomás apóstol en los mares del sur de la India en esta ocasión habla del momento en que fue encerrado en la cárcel.

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomás el Apóstol (4)”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

El cuadro representa como fue martirizado el apóstol Tomás. Se sabe poco de la vida y de la muerte de Santo Tomás aunque sufrió el martirio en la costa de Coromandel, India, donde su cuerpo fue descubierto, con ciertas marcas de que fue muerto con lanzas y ese tipo de muerte es tradición en los países del Este. Se sabe que su cuerpo fue trasladado a Edessa, donde fue enterrado en los grandes sepulcros donde también se hallaban San Pedro, San Pablo y San Juan.

El siguiente cuadro “Efrén el Sirio”, obra atribuida a Giuliano Amidei (pintor activo 1446-1498), realizado en temple sobre madera, está datado en 1450. Pertenece a la escuela florentina.

El cuadro muestra la historia de Efrén nació hacia el año 306 en la ciudad de Nisibis (ahora Nusaybin en Turquía), en la región fronteriza de controversia entre el imperio sasánida en Asiria y la romana Mesopotamia, entonces recién adquirida por Roma.

El siguiente cuadro “Cristo disputa con los doctores”, obra de Bernardino Butinone (pintor activo 1480-1507), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1480-1485. Tiene unas medidas de 25,1 x 23,30 cm.

Este es uno de los dieciséis sobrevivientes con escenas de la vida de Cristo, con un tamaño y estilo similares, que originalmente deben haber formado parte del mismo retablo o el trabajo devocional. Un tríptico portátil de este tipo pintado por Butinone, también tiene escenas con de la vida de Cristo, está en el Castello Sforzesco de Milán. El trono con forma de caracol es algo inusual en el que Cristo está sentado en este panel puede ser una alusión a la Torre de Babel y la confusión de las lenguas asociadas con ella, donde triunfa la sabiduría divina de Cristo.

El siguiente cuadro “Cristo conduce a los mercaderes”, obra de Benvenuto Tisi conocido como Garofalo (1481-1559), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1550-1550. Tiene unas medidas de 45,7 x 37,2 cm.

Garofalo fue un pintor italiano, activo principalmente en Ferrara. Su apodo se dice que proviene de su gusto por incluir la flor de un alhelí (It., Garofano) en un rincón de sus pinturas. Según Vasari visitó dos veces Roma, y su trabajo estaba muy bien elaborado, fue fuertemente influenciado por Rafael. Él fue el primero en pintar de una manera tan importante en la escuela de Ferrara y fue un pintor influyente en la difusión del estilo del Alto Renacimiento.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con la Virgen el Niño y san Juan Bautista”, obra de Giulio Romano (1495-1546), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1520. Tiene unas medidas de 82,5 x 63,2 cm. Pertenece al estilo manierista.

El cuadro es conocido con el nombre de la Virgen de Novar, donde se puede ver al grupo retratado de una forma informal, inspirado en una composición de Raphael, se muestra en un patio por la noche. Al fondo, en segundo plano, es posible vislumbrar a José con una lámpara que lleva un burro a través del arco de fondo. El contacto es animado entre los dos niños llama la atención sobre las letras América en el rollo, parte de la descripción de San Juan de Cristo como “el Cordero de Dios”. Las formas precariamente equilibradas y los estridentes colores tan contrastados son característicos del manierismo de Giulio Romano.

El siguiente cuadro “San Juan Bautista en el desierto”, obra de Bernardino Lanino (1509-1581), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1550. Tiene unas medidas de 24 x 24 cm. Pertenece al estilo manierista.

Es una interpretación sorprendente de San Juan en el desierto, aquí se le describe como una persona joven y posa semidesnudo cubierto con una pequeña prenda, esta en el interior de una cueva y en dos puertas deja entrever sendos paisajes.

Bernardino Lanino, que era pintor de Milán. En su segundo período de la creación que fue fuertemente influenciado por Leonardo da Vinci. En la pintura aparecen interesantes detalles enigmáticos: podemos ver claramente el verdugo en el lado derecho de la pintura. Quizás se trate de Judas. A continuación, la forma de la colina en la oscuridad misteriosa es la montaña Gólgota en las afueras de Jerusalén.

El siguiente cuadro “La Flagelación de Cristo con santos”, obra de Francesco Marmitta (1462-1505), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1495-1500.

El cuadro es un tanto tosco donde se representa el castigo que sufrió Cristo, bajo la tarima esta presenciado por San Jerónimo acompañado con un león, en el lado contrario hay un benedictino.

El siguiente cuadro “La Natividad con dos ángeles”, obra de Filippino Lippi (1457-1504), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1457-1504. Tiene unas medidas 25 X 37 cm.

La figura central se representa a la Virgen María, está de rodillas en la adoración del Niño Jesús, es un tipo de composición inventada por el padre de Filippino Lippi, cuyo nombre era Filippo Lippi. Filippino elaboró el tema mediante la inclusión de la figura sentada de José y dos ángeles que sostienen el manto de María. Este gesto poco común, enfatiza los patrones lineales obtenidos por los pliegues de cortinas. La influencia de la pintura flamenca es evidente en las torres con almenas y el fondo del paisaje. Las proporciones de este pequeño panel sugieren que fue pintado originalmente como parte de una predela de un retablo.

El siguiente cuadro “La Madonna del Passeggio”, obra de Raffaello Sanzio (1483-1520), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1515-1518. Tiene unas medidas 88 x 62 cm.

La composición probablemente quería hacer alusión al encuentro fortuito, narrado en los evangelios apócrifos, referido a la Sagrada Familia durante su regreso de la huida a Egipto con el joven Juan Bautista, anteriormente un ermitaño en el desierto. Paseo por el campo, de hecho, toda la figura Madonna parece presentar al Niño al otro niño representado por Bautista, quien lo mira de cerca, en un intenso intercambio afectivo; José es cómplice de la escena mientras lleva un paquete atado a un palo en el hombro, camina detrás de un arbusto. Bautista, como de costumbre, sólo llevaba el pelo de camello, sostiene una cruz, que lo califica como Precursor (Jesús parece apoderarse de ella, como para aceptar su destino), y desplazarse con la inscripción “Ecce Agnus Dei”.

El siguiente cuadro “La Familia Santa con una palmera”, obra de Raphael (Raffaello Santi), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas circular 101.5 cm.

El tondo (pintura circular) era popular en la Florencia renacentista de los apartamentos privados. Raphael ha planeado cuidadosamente su composición para complementar la forma, con el Niño en su centro, y ha creado una relación sumamente armonizada y equilibrada entre las tres figuras. Esta es una de las diversas variaciones sobre el tema de la Virgen con el Niño y la Sagrada Familia que Rafael exploró durante sus cuatro años en Florencia. La palmera, flores y una fuente puede ser inspirado por referencias en las devociones especiales (letanías) a la Virgen María, que sería apropiada para una imagen devocional privada.

El siguiente cuadro “Madonna Bridgewater”, obra de Raphael (Raffaello Santi), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el 1515-1518. Tiene unas medidas 88 x 62 cm.

El cuadro esta realizado sobre un fondo oscuro, en el que se puede ver sólo unos pocos elementos de una habitación (un nicho con una puerta abierta, un banco), María sostiene en sus brazos el niño que lucha por la izquierda. Las dos figuras, representan excepcionalmente una armonía, se caracterizan por un movimiento opuesto y divergente, con una concatenación de gestos (brazos al Niño que toma el velo de su madre, las manos de María que rozan el cuerpo de su hijo) que genera un movimiento serpentino.

El siguiente cuadro “Cuatro figuras desnudas masculinas”, obra de Pietro Vannucci conocido como Perugino ( 1445-1523), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el 1500-1510. Tiene unas medidas 71 x 52 cm.

En el cuadro aparecen cuatro figuras desnudas eran conocidas como el Tribunal de Apolo cuadro realizado por uno de los pintores más importantes de la historia del arte, Perugino fue un pintor cuatrocentista italiano, en transición hacia el Alto Renacimiento. El apodo de Il Perugino («el Perusino») proviene de su ciudad natal de Perugia. Sus dos influencias fundamentales fueron Piero della Francesca y el Verrocchio, aunque filtrados por los modos suaves de la pintura de la Umbria, de cuya escuela fue líder. Fue titular de dos activísimos talleres contemporáneos, uno en Florencia y otro en Perugia. Su fama se vio oscurecida por la de su alumno más prestigioso, Rafael.

El siguiente cuadro “San Jerónimo en el desierto”, obra de Jacopo del Sellaio (1441-1493), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el 1480. Tiene unas medidas 62 x 82 cm.

El apodo de Sellaio (talabartero o guarnicionero) lo debe al oficio de su padre Arcangelo. A él le debemos la primera noticia cierta de Jacopo, pues en 1446 lo menciona en el catastro como niño de cinco años.

Jacobo se formó como artista bajo la dirección de Fra Filippo Lippi. En su taller tuvo como compañero a Sandro Botticelli, cuyo estilo le influiría durante el resto de su trayectoria. En 1460 se inscribió como miembro de la Compagnia di San Luca. En 1473 está documentado que compartía taller en la plaza de San Miniato con otro pintor, Filippo di Giuliano. Durante su carrera se asociaría con otros artistas para realizar encargos diversos, entre ellos Zanobi di Domenico o Biagio d'Antonio (Casone Nerli, 1472).

Aunque realizó encargos de cierta envergadura (Crucifixión con San Lorenzo, 1490), su especialidad fueron las obras devocionales de pequeño formato y la decoración de cassoni, un tipo de rica arca que se realizada con fines nupciales. Han sobrevivido muchas de estas piezas que, aunque no documentadas por el mismo carácter del encargo, denotan claramente el estilo de Jacopo, de suave paleta cromática claramente deudora de la manera de pintar de Botticelli.

El siguiente cuadro “La Virgen que adora al niño del Cristo durmiente”, obra de Sandro Botticelli, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1485. Tiene unas medidas de 122,00 x 80,30 cm.

La composición que emplea el pintor Botticelli en el cuadro, inspirado en la obra de Filippo Lippi, es inusual en dos aspectos: los lienzos estaban ya eran poco común en este momento y el Niño Jesús rara vez se demostraba dormido. Esta variación podría ser interpretada como un recordatorio de la muerte de Cristo. Su sufrimiento futuro para la humanidad también puede ser simbolizado por las plantas y frutos detallados. Las fresas de color rojo, por ejemplo, pueden referirse a la sangre de Cristo. También complementan el hermoso rosedal que forma un “jardín cerrado”, un símbolo de la Virgen derivado del Antiguo Testamento. La pintura fue probablemente diseñada para un entorno doméstico.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con dos ángeles”, obra de un pintor anónimo de la escuela de Ferrara, realizado en temple, óleo y oro sobre madera, esta datado en 1470-1480. Tiene unas medidas de 122.00 x 80.30 cm.

Esta imagen impresionante de la Virgen y el Niño Jesús se presenta un ejemplo del tormento de la pintura ilusionista. La tela o pergamino en el que aparece el artista que ha estado pintando, parece milagrosamente arrancada de su bastidor de madera, que revelan una visión de las Santas figuras. Esta ilusión se ve reforzada por los bordes rotos de pergamino. La forma elegante y alargada Virgen sostiene una granada, un símbolo de la resurrección, mientras que el pequeño niño de Jesús está dormido y se sujeta gracias a la cuerda del cinturón de su madre, una referencia a su futura pasión.

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño”, obra de Andrea del Verrocchio, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1470. Tiene unas medidas de 106.7 x 76.3 cm.

El cuadro se representa de rodillas a la Virgen María adorando a su hijo en medio de un paisaje de ruinas. El niño está en la acción de chupar un dedo es a la vez un efecto natural y simbólico, ya que parece que puede haberse pinchado el dedo y esta chupando la sangre derramada, una premonición de su crucifixión. La arquitectura describe con mucho cuidado la perspectiva, representa probablemente un templo romano que, según la leyenda, se derrumbó cuando Cristo nació. Esto representa el triunfo de la nueva religión sobre la vieja. La pintura se transfirió desde el panel de lienzo y ampliamente restaurada. John Ruskin, el crítico del siglo XIX y el artista, fue su dueño durante un tiempo, de ahí su título popular “El Ruskin Madonna”.

El siguiente cuadro “La Virgen entronizada con el Niño”, obra de Lorenzo Monaco (Pier di Giovanni), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1418. Tiene unas medidas de 55.9 x 33.7 cm.

Lorenzo de Monaco denota en el cuadro una clara influencia de la tradición de la pintura de Siena y de su gran maestro Giotto. La Virgen se representa con un vestido con pliegues en cascada que completan las curvas estilizadas de la figura sedente de la Virgen y el Niño de pie. El trono con remates de cabeza de león en sus pies probablemente se refiere al “Trono de la Sabiduría” del rey Salomón. Este panel forma la parte central de un retablo y habría sido flanqueado por santos de pie. Un fragmento de la pañería carmesí de uno de éstos es apenas visible en el borde izquierdo. El suntuoso color y los patrones decorativos exquisitos diseñados para brillar en las velas indican la riqueza del primitivo retablo.

El siguiente cuadro “Tríptico. En el Centro: La Virgen y el Niño en el trono. Izquierda: La Natividad; El ángel del anuncio. La derecha: La Crucifixión; La Virgen anuncian”, obra anónima de un maestro de la escuela Toscana, realizado en temple sobre madera, esta datado en el siglo XIV. Tiene unas medidas centro: 71 x 31 cm; alas: 51,3 x 11,20 cm.

Este tríptico es de pequeño tamaño seguramente fue pintado para devoción privada de algún miembro de la iglesia o bien de alguna acaudalada familia. Las alas se abren para representar la imagen de la Virgen y el Niño. Jesús flotando en un resplandor de radiación dorada. Los cuatro hombres santos y las santas que aparecen no han sido identificados. El niño de Cristo recibe una rosa de un obispo, posiblemente San Ambrosio. El anuncio se incluye en la parte superior de las alas, con Gabriel frente a la Virgen. A continuación se presentan la Adoración de los Reyes y la Crucifixión. El cuadro tiene un punzonado decorativo que enriquece los halos y el fondo de oro de todas las tablas.

El siguiente cuadro “La Madonna de la Rueca”, obra de Leonardo da Vinci (1452-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1501. Tiene unas medidas 48,3 x 36,9 cm.

La composición muestra a la Virgen de la rueca con el niño Jesús torciendo el cuerpo lejos de los brazos de su madre, sus ojos están sorprendidos por su rueca cuyos radios parecen darle la forma de una cruz; precozmente se le reconoce como un símbolo de su destino. La reacción de la Virgen es ambigua, una mezcla de alarma por el daño a su hijo llegará y una renuncia y aceptación de la misma. El gesto de suspenso hecho con la mano derecha se repite en un retablo de Leonardo La Virgen de las rocas. El uso de un símbolo de la pasión como un objeto de un juego infantil se repite a lo largo de la obra de pintura de Leonardo. Al igual que con los trabajos posteriores de Leonardo, las figuras aparecen en un vasto paisaje despoblado. El afloramiento rocoso en el primer plano de la Madonna está pintado con una minuciosa con una atención al detalle geológico.

El siguiente cuadro “Tríptico de la Crucifixión”, obra de Bernardo Daddi, realizado en temple y oro y plata sobre madera, esta datado en 1338. Tiene unas medidas centro: 53.5 x 28; las alas: 58 x 15.5 cm.

Este pequeño tríptico es de uso devocional privado se utiliza como una ayuda para la oración y la meditación, significaba que era fácil de transportar y podría ser usado en los viajes. Las alas abiertas revelan una imagen de la crucifixión de Cristo flanqueado por pequeñas escenas. La elección de los temas debe haber tenido un significado especial para el patrón. A la izquierda está la Natividad y la Crucifixión de San Pedro (que fue crucificado al revés). En frente, y bastante inusual ala, con la entronización de la Virgen y el Niño con los Santos y San Nicolás.

El siguiente cuadro “La Adoración de los Magos”, obra de Vitale da Bologna (Vitale Daimo de Cavalli), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1353-1355. Tiene unas medidas de 60.40 x 38.60 cm.

En la escena, parte superior derecha, se ve a uno de los Reyes como está indicando a la estrella que los condujo ante el Niño Jesús en Belén. Las dos mujeres santas son identificadas por sus atributos como Santa Catalina con la rueda, y Santa Úrsula, acompañados de algunas de las once mil acompañantes (con quien, de acuerdo con su leyenda) fue martirizada. Esta pintura fue originalmente el panel izquierdo de un díptico con bisagras en el medio; el panel relacionado, pintado con Cristo llorado por santos, se encuentra ahora en la Fondazione Longhi, Florencia y que se titulaba Díptico del Martirio.

El siguiente cuadro “Tríptico. Centro: Escenas de la Vida de los Santos Tebaida. En las Alas: Escenas de la pasión de Cristo”, obra de Grifo di Tancredi, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1290-1300. Tiene unas medidas del cuadro abierto 118,50 x 124.50 cm.

El tríptico está pintado de forma inusual con una combinación de imágenes por su forma particular son únicos en el arte italiano. El panel central representa en la parte inferior, el funeral del teólogo del siglo IV y escritor San Efrén de Siria, cuya alma se muestra en la parte superior, se transporta al cielo por los ángeles. El terreno rocoso, con sus animales salvajes y el variado follaje, representa el desierto alrededor de Tebas en Egipto, poblada por ermitaños, muchos de los cuales eran santos. El panel puede estar basado en un prototipo bizantino. Cristo y los ángeles arriba y las escenas de la pasión de Cristo en las alas son característicos de la pintura del siglo XIII italiano.

Bajamos las escaleras y pasamos a la sala II y III del museo dedicada al arte del Renacimiento Italiano en el periodo que abarca desde 1500-1600. Se exponen obras de pintura elaboradas en la república de Venecia y dentro de los territorios de Italia del Norte.

El arte del Renacimiento Italiano en la pintura abarca el período que comenzó a finales del siglo XIII y floreció desde principios del siglo XV hasta finales del siglo XVI en la península Itálica, que en ese tiempo ese encontraba dividida en muchas áreas políticas. Los pintores de la Italia Renacentista, recorrían Italia comúnmente ocupando un estatus diplomático y difundiendo ideologías artísticas y filosóficas.

La ciudad de Florencia en la Toscana se conoce como el lugar de origen del Renacimiento, en especial de la pintura Renacentista. Se puede dividir en cuatro períodos: Protorrenacimiento (1300–1400), Renacimiento Temprano (1400–1475), Alto Renacimiento (1475–1525), y Manierismo (1525–1600). Estas fechas son aproximadas ya que la vida de cada artista y sus estilos personales traspasaron diferentes períodos.

Durante este periodo se recuperaron un gran número de textos clásicos que se habían perdido. Entre estos se encontraban textos de filosofía, poesía, drama, ciencia, arte, y teología Cristiana. Gracias a esto despertó un interés especial por la filosofía humanista. Se desarrolló una nueva filosofía en la cual la relación del hombre con la humanidad, el universo y con Dios no era exclusiva para la Iglesia.