Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con cinco santos”, obra de Lorenzo Lotto (1480-1557), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1505. Tiene unas medidas 80.5 x 102.5 cm.

El Niño Jesús se inclina para desplazarse hacia los ancianos encima de San Jerónimo. La rigidez de la pose del niño se repite en los pliegues angulares de cortinas de María. Ella reconoce a San Francisco con su mano levantada. Un paño de honor se extiende a través de la pintura que separa el primer plano del grupo (que también incluye a San Pedro y una santa mujer) del paisaje de atrás. Los leñadores cortando un árbol aluden a la madera de la cruz y, por tanto, a la pasión de Cristo. Se trata de una obra temprana, pintada por Lotto en 1505.

El siguiente cuadro “La Virgen y el niño con San Juan Bautista y un santo no identificado”, obra de Tiziano Vencellio (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1518-1520. Tiene unas medidas 62.7 x 93 cm.

Tiziano se dedica a perfeccionar este tipo de pintura pequeña, destinada a la devoción privada, que representa a la Virgen María y el niño Jesús en un paisaje acompañado por uno o más santos. Los colores ricos y los lujosos pliegues de la vestimenta de María llaman la atención y el azul intenso se repite en el cielo y en la tierra muy lejana. La figura en primer plano de San Juan Bautista por la presencia del cordero, una referencia a Cristo como el “Cordero de Dios”. El Cristo infantil reconoce el otro santo de rodillas que probablemente tenía un significado especial para el patrón de la pintura

El siguiente cuadro “Venus saliendo del mar”, obra de Tiziano Vencellio (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1520. Tiene unas medidas 75.8 x 57.6 cm.

La pintura parece más un retrato donde surge la figura Venus de Tiziano que llena el lienzo. La pequeña concha que flota en el agua identifica la hermosa mujer desnuda como la diosa del amor. El antiguo poeta griego Hesíodo describió cómo nació Venus saliendo por completo de la mar acompañada en la orilla de una concha de vieira. Tiziano muestra a la diosa retorciendo su pelo, una pose inspirada en la escultura clásica y por una cuenta de una pintura de Apeles, el pintor más célebre de la antigua Grecia. Venus de Tiziano demostró que podía competir con el arte de la antigüedad y que podía hacer que el ideal pareciese real.

El siguiente cuadro “Adoración de los reyes”, obra de Jacopo Bassano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540. Tiene unas medidas 183 x 235 cm.

La familia santa, a la izquierda, está pintada con la paleta de colores vivos de Bassano, en el momento en que visitan a los reyes. La figura central de la pintura, sin embargo, es el rey con un doblete de rayas. Él puede ser identificado como un retrato del patrón de la pintura, Jacopo Gisi. Los dos pajes detrás de él también pueden ser retratos de sus hijos. El interés de Bassano en poses escorzo complejos es evidente en el grupo densamente poblados, sobre todo en las figuras y animales vistos desde atrás. Muchos detalles se basaron en sus composiciones anteriores y en sus estudios de la naturaleza, aunque la arquitectura en ruinas es una adaptación que pudo ver en un grabado de Durero.

El siguiente cuadro “Santa Ágata”, obra de Giovanni Busi conocido como Cariani (1485-1547), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1512-1518. Tiene unas medidas 69 x 58 cm.

El cuadro identifica el martirio de la santa mediante la hoja de palmera y los pechos en una placa, representan a la joven como la virgen y mártir Santa Ágata. Según la leyenda, Agatha, era una hermosa mujer noble que vivía en Catania, Sicilia, en el tercer siglo, había hecho un voto de castidad. Entre sus pretendientes era el gobernador romano, que intentó torturándola hasta la sumisión al ordenar cortar sus pechos. Ella se salvó milagrosamente y, como un modelo de valor y virtud, se convirtió en un popular nombre de-santa. Desde esta pintura sensual se ajusta en su composición y carácter del retrato veneciano contemporáneo es, posiblemente, una imagen idealizada de una joven llamada Agatha.

El siguiente cuadro “Las tres edades del hombre”, obra de Tiziano Vencellio (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1512-1514. Tiene unas medidas 90 x 150.7 cm.

Tiziano en este trabajo representa las tres etapas de la vida: la infancia, la edad adulta y la vejez. Cupido se encarama sobre los bebés que duermen, que puede crecer hasta ser como los jóvenes amantes de la derecha. Su relación intensa e íntima con el tiempo se verá interrumpida por la muerte, simbolizada por dos cráneos, que el anciano contempla. Tiziano nos invita a meditar sobre la fugacidad o como un pasaje de la vida humana y nos recuerda el amor eterno. Para sus contemporáneos de la iglesia en el fondo puede haber indicado la promesa de la vida eterna en el cielo. El exuberante paisaje complementa el tono lírico, haciéndose eco de la clásica poesía pastoral y contemporánea.

El siguiente cuadro “El banquete de los dioses”, obra es una copia de Gioavanni Bellini (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1650. Tiene unas medidas 174 x 190.5 cm.

Esta es una obra de tamaño completo, copia exacta de uno de los grandes logros de los últimos años de Bellini, “El festín de los dioses” de 1514 (Washington, National Gallery of Art). El original fue encargado por Alfonso de Este, duque de Ferrara, para su estudio privado (“Camerino”) en el complejo del palacio en Ferrara. La imagen muestra una fiesta organizada por Cibeles, diosa de la naturaleza y de la fertilidad, por sus compañeros los dioses olímpicos. Las pinturas de “Camerino”de Alfonso fueron trasladadas a Roma en 1598, y la presente copia, probablemente, no se hizo hasta mediados de la década de 1620, muy posiblemente por el célebre artista francés Nicolas Poussin (1594-1665).

El siguiente cuadro “El regreso a Egipto”, obra Paris Bordone (1500-1570), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540. Tiene unas medidas 104 x 140.8 cm.

Este cuadro representa a la Sagrada Familia en un descanso en su viaje de regreso a la Tierra Santa después de su huida a Egipto, donde incluye el legendario episodio de la primera reunión de los niños Cristo y San Juan Bautista. Pintado alrededor de 1550, la imagen fue muy elogiada por el escritor veneciano en arte Marco Boschini (1660), cuando pertenecía a la familia patricia Venier. El paisaje panorámico es sorprendente y se repite en varias otras obras de madurez del artista.

El siguiente cuadro “Retrato de un arquero”, obra de un seguidor de Giorgione o algún miembro de su taller, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1506-1510. Tiene unas medidas 53,5 x 41,5 cm.

Esta obra está llena de misterio en cuanto a su autoría, aunque se ha determinado que pudiera ser de un seguidor de Giorgione o de su taller, hay que recordar que Giorgione murió muy joven como consecuencia de la peste, algunas de sus obras fueron terminadas por Tiziano, lo que añada confusión a su obra.

El siguiente cuadro “Busto de Cleopatra”, obra de Simone Bianco (activo 1512-1553), realizado en mármol, esta datado en 1530. Tiene unas medidas 53.5 x 41.5 cm.

Cleopatra, cuyo nombre significa “Gloria de su Padre”, nació durante el invierno del 69 al 68 a.C. en la capital de Egipto, Alejandría.

Su padre fue Ptolomeo XII y su madre probablemente fue Cleopatra VI, aunque otras fuentes aseguran que era hija de una egipcia de clase alta. Cuando ascendió al trono de Egipto, a los 18 años, Cleopatra ya había desarrollado un atractivo irresistible, fruto de una intensa educación y de su presunta belleza. Poco más se conoce acerca de los primeros años de la vida de Cleopatra. Su figura está irremediablemente ligada a los últimos años de la historia de Egipto, un período que supuso la decadencia de una larga estirpe: la de los Ptolomeos.

El siguiente cuadro “San Antonio Abad como Patrono de un donante de rodillas”, obra de Paolo Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1563. Tiene unas medidas 198.5 x 117.8 cm.

Este lienzo es un fragmento de la parte inferior izquierda de un retablo pintado por Veronese montado en 1563 para la capilla de la familia Petrobelli en la iglesia de San Francisco de Lendinara, cerca de Rovigo. La enorme pintura fue cortada y puesta a la venta en 1788-9. Otros dos fragmentos grandes sobreviven, donde se muestra el Cristo muerto con los ángeles (Galería Nacional de Canadá, Ottawa) y San Jerónimo con el Donante, Girolamo Petrobelli (Dulwich Picture Gallery, Londres). Partes de un ala, un brazo con una lanza, y un diablo visible en la parte derecha de esta lona pertenecían originalmente a una figura central del arcángel San Miguel, a quien se dedicó la capilla. La cabeza de esta figura se ha identificado recientemente en el Museo de Arte Blanton, Austin, Texas. Un cambio importante en la posición de la cabeza de San Antonio es ahora detectable entre las columnas.

El siguiente cuadro “Cristo es llevado a la tumba”, obra de Jacopo Tintoretto (1519-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1563-1565. Tiene unas medidas 164 x 127,5 cm.

La pintura de Tintoretto se hizo para el altar de la capilla de la familia Dal Basso, en la iglesia veneciana de San Francesco della Vigna. El retablo fue cortado dañando su aspecto original. Era más alto y estaba arqueado, con un ángel que volaba en la parte superior que sostiene una corona de espinas. Los pies del ángel son sólo visibles en la parte superior del lienzo. A continuación el cuerpo alargado de Cristo en el centro está acompañado del desmayo angustiado de su madre. El parpadeo de la luz de la antorcha pintado eleva el estado de ánimo de la desesperación.

El siguiente cuadro “Marte, Venus y Cupido”, obra de Paolo Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580. Tiene unas medidas 165.2 x 126.5 cm.

El lienzo muestra como en el centro de la escena está Venus que consuela suavemente a su hijo Cupido, este se sobresalta por un pequeño perro spaniel. Este detalle incidental mejora el atractivo inmediato de los personajes mitológicos. La diosa del amor sensual, envuelta en tela de lujo, se apoya en la rodilla de Marte. Se cree que el dios de la guerra puede haber sido incluido a última hora en el diseño en él (posiblemente por un ayudante), ya que sólo las figuras de Venus y Cupido aparecen en los dibujos preparatorios relacionados (British Museum, Londres). El tratamiento muy superficial de las alas de Cupido sugiere que la pintura puede haber sido dejado sin terminar.

El siguiente cuadro “Busto de una mujer”, obra de un escultor anónimo romano, realizado en mármol, esta datado en 20 al 40 a. C.

Esta escultura fue descubierta durante la época del hermano de Napoleón (1775-1840) descubierto en Tusculum cerca de Roma. Esta mujer ha sido identificada como Antonia Augusta, hija de Marco Antonio y Octavia.

El siguiente cuadro “Paisaje con Santa María Magdalena penitente”, obra de Pietro Berrettini, conocido como Pietro da Cartona (1596-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1630. Tiene unas medidas 49 x 64.5cm.

Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos decorativos y de la pintura. Durante el pontificado de Urbano VIII (de quien hizo un retrato), fue uno de los principales artistas establecidos en Roma, junto a Bernini y Borromini. Se puede decir que representa el máximo exponente del arte decorativo del estilo Barroco pleno, haciendo olvidar a artistas anteriores como Giovanni da San Giovanni y oscureciendo a competidores como Giovanni Lanfranco.

El siguiente cuadro “El rapto de Europa”, obra de Agostino Carracci (1557-1602), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1595-1600.

El cuadro representa la leyenda mitológica de Europa, momento en que Zeus se transformó en un toro blanco y se mezcló con las reses que tenía el padre de la muchacha. Mientras Europa y su séquito recogían flores cerca de la playa, ella vio al toro y acarició sus costados y, al notar que era manso, se montó en él. Zeus aprovechó esa oportunidad: corrió al mar y nadó hasta la isla de Creta llevando a Europa en el lomo. Ya en Creta, Zeus reveló su auténtica identidad, y Europa se convirtió en la primera reina de la isla.

Zeus dio a Europa un collar hecho por Hefesto y otros tres regalos: Talos (un autómata de bronce), Lélape (un perro que nunca soltaba su presa) y una jabalina que nunca erraba. Más tarde Zeus recreó la forma del toro blanco en las estrellas que actualmente se conocen como la constelación Tauro. Algunas leyendas cuentan de ese toro que es el mismo con el que se topó Heracles y que es el que engendró al Minotauro.

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño y san Juan Bautista”, obra de Giovanni Francesco Barbieri es conocido como Guercino (1591-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1615-1616.

El medio cuerpo sentado Virgen, el Niño Jesús durmiendo y San Juan Bautista se presentan en el primer plano dramático de este cuadro. No es un tema idealizado y se modelan en gran medida por la luz y la sombra contrastada. La intensa coloración y el escorzo es audaz, sobre todo por la mano de la Virgen, que apunta a la inscripción de desplazamiento del Bautista “Ecce Agnus Dei” (He aquí el Cordero de Dios) son característicos del estilo temprano de Guercino. La pose de niño Jesús, durmiendo sobre un paño blanco, alude deliberadamente para eventos posteriores, cuando su madre mantiene a su cuerpo muerto, como se representa en escenas conocidas como la Piedad, o el llanto sobre Cristo muerto.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Jacopo Tintoretto (1519-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1563-1565. Tiene unas medidas 127 x 98 cm.

El personaje retratado es considerado desde hace tiempo como Jacopo Bassano, la composición de este bello retrato está vinculada estrechamente al taller de Tintoretto. Probablemente data de alrededor de 1580. En el cuadro está decorado con una cortina, la columna grandiosa y la base, además de una mesa cubierta de tela con un crucifijo y una carta plegada, encuentra particularmente estrechos paralelos con la obra de Domenico Tintoretto, el hijo de Jacopo. El cuadro fue comprado en Génova en 1830 por el pintor escocés y distribuidor Andrew Wilson, este retrato fue parte de uno de los primeros lotes de pinturas de los viejos maestros adquiridos por la Institución Real de Edimburgo, que formó parte de la colección del fundador de la Galería Nacional de Escocia.

El siguiente cuadro “Retrato de Cosimo I”, obra de Alessandro Allori (1537-1607), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1555-1560. Tiene unas medidas 86 x 65 cm.

Alessandro Allori nació del matrimonio de Cristofano di Lorenzo y Dianora Sofferoni. Entró siendo todavía un niño en el taller de su tío (según algunos autores), el pintor manierista Agnolo Bronzino (1503-72); a los catorce años fue de ayudante de su maestro que, según el testimonio de Vasari (1511–1574), siempre lo trató como un hijo más que como a un estudiante. Los registros de pago por la Historia de José en el Palacio Vecchio, un proyecto ejecutado por Bronzino, “Sandrino Tofano” donde se menciona por primera vez como pintor.

El siguiente cuadro “Retrato de Domenico di Jacopo Becuccio”, obra de Andrea del Sarto (1486-1528), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1525-1528. Tiene unas medidas 86 x 67 cm.

Durante algún tiempo se pensó que la persona retratada era un autorretrato del pintor, pero se ha identificado de manera convincente como su buen amigo Becuccio el fabricante de vidrio (bicchieraio). La inclusión de una jarra de vidrio y un plato llama la atención sobre la artesanía del sujeto y las habilidades propias del artista como un pintor. Aún más sorprendente, sin embargo, es el giro rotundo de tres cuartos de Becuccio de la pose y la importancia concedida a los juegos de luz en la zona oscura. El uso expresivo de la sombra en las esquinas de los ojos y la boca refleja la influencia de Del Sarto y del tradicional sfumato que empleaba Leonardo da Vinci, una mezcla gradual de luz y sombra.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Andrea del Sarto (1486-1528), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1530.

El pintor debe su apodo «del sarto» a que era hijo de un costurero («sarto» en italiano) llamado Agnolo di Francesco. Su madre, Costanza di Silvestro, también era hija de un costurero.

En 1508 comienza a pintar sus primeras obras, inspiradas directamente de los pintores que le eran más familiares a él y a su amigo Francesco Franciabigio: Fra Bartolomeo y Mariotto Albertinelli, junto a otros pintores que trabajaban en el estudio de Rafael Sanzio.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven que ata su liga”, obra de un pintor anónimo de la escuela toscana, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de 113.2 x 90 cm.

La identidad del hombre es desconocida, además del artista que hizo esta pintura no ha sido identificado, el trabajo es a menudo descrito como perteneciente a una escuela nacional o regional. Esto se debe a que parece compartir características estilísticas con pinturas de artistas de ese país o región. Así que una pintura descrita como de la “Escuela de la Toscana” donde un artista que trabaja en la provincia italiana de Toscana, que fue posiblemente asociado a uno de los talleres florentinos influyentes.

El siguiente cuadro “Moisés golpea las tablas”, obra de Francesco Ubertini, conocido como Bacchiacca (1494-1557), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1525-1550. Tiene unas medidas de 100 x 80 cm.

Sobre esta obra Bacchiacca utiliza este tema del Antiguo Testamento como un medio para incluir una amplia gama de figuras vestidas exóticamente y diversas aves y animales en un paisaje estilizado, rocoso. Moisés se arrodilla en el centro, delante de las tablas para que aparezca el agua milagrosamente para aliviar la sed de los israelitas en su viaje a la tierra prometida. Esto se recoge con entusiasmo bebido agua en jarras maravillosamente hechas a mano. La imagen puede muy bien un encargo que recibió el pintor de un gremio florentino de los jarrones para decorar un festival en 1525 con escenas del Antiguo Testamento

El siguiente cuadro “Mujeres venecianas en el baño”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540-1550. Tiene unas medidas de 97 x 141 cm.

Las dos mujeres más jóvenes habrían sido reconocidas inmediatamente por los contemporáneos como cortesanas. Sus moños de pelo elaboradamente trenzados sobre sus hombros desnudos, y el corpiño desabrochado de la figura central es sensualidad y provocación. Ella admira su reflejo en el espejo sostenido por la mujer de avanzada edad con una tez más oscura, que puede ser su alcahueta. El espejo también alude, sin embargo, a la fugacidad de la belleza física. El cuadro esta adornado con una caja que contribuye a la ambigüedad espacial de la pintura y su aspecto decorativo. Probablemente fue pintado para un rico patrón veneciano.

El siguiente cuadro “Retrato de Giovanni Bressani”, obra de Giovanni Battista Morino (1490-1560), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1562. Tiene unas medidas de 116.2 x 88 cm.

El lienzo representa la visión de Morini del distinguido escritor de Bérgamo, Bressiani, fue pintado dos años después de la muerte del autor. Su mirada hacia el exterior y la forma de la silla contribuyen al impacto sorprendente de la obra. La tabla proporciona una superficie para la visualización de objetos asociados con Bressiani, que aparece sosteniendo un lápiz y papel. Junto a los volúmenes de la envolvente y las hojas del verso, son un tintero en forma de un pie, y una forma temprana de papel secante, que fue utilizado para la dispersión de arena sobre la tinta húmeda.

La siguiente escultura “Mucius Scaevola”, obra de Giovanni Maria Mosca (1507-1574), realizado en mármol, esta datado en 1520.

La escultura en un relieve con la figura que trata de contar la historia de Roma, con Caius Mucius Scaevola fue un héroe en la guerra de Roma contra el rey etrusco Lars Porsena. Bajo un disfraz penetra en el campo enemigo, y se acerca entre la multitud que se apiñaba ante el tribunal de Porsena, pero no habiéndole visto antes, se equivoca, y mata a un hombre distinto.

Pronto es arrestado y conducido ante el rey, que le interroga. Lejos de intimidarse, Mucio responde y se presenta como ciudadano romano dispuesto a matarle. Para apoyar su propósito y castigar su error en la ejecución de su víctima, pone su mano derecha sobre el fuego de un brasero encendido para un sacrificio, y mirando a Porsena, dice: «Mira, mira qué poca cosa es el cuerpo para los que no aspiran más que a la gloria». Sorprendido e impresionado por esta escena, el rey ordena que se retire a Mucio del fuego y le pone en libertad.

El siguiente cuadro “Una alegoría de la virtud”, obra de Antonio Allegri, conocido como Correggio (1489-1534), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1520. Tiene unas medidas de 100 x 83 cm.

Antonio Allegri nació en Correggio, Italia, una pequeña ciudad cerca de Reggio Emilia. Su fecha de nacimiento es incierta (hacia 1489). Su padre era un comerciante. Poco se conoce sobre la vida o la formación temprana de Correggio. Es, sin embargo, a menudo se supone que tuvo su primera formación artística del hermano de su padre, el pintor Lorenzo Allegri.

Correggio fue el pintor más importante del Parma de la escuela del renacimiento italiano, que fue responsable de algunos de los más vigorososas y sensuales obras del siglo XVI. En su uso de la composición dinámica, la perspectiva ilusionista y el escorzo dramático, Correggio prefiguró el rococó del arte del siglo XVIII. Se le considera un maestro del claroscuro.

Pasamos a la Sala IV está dedicada a la pinturas de gabinete abarca el periodo entre 1560-1700, son obras de pequeño formato realizadas en los estudios de los pintores y abarcan la variación de estilo del siglo XVII por los artistas barrocos de la Europa del Sur.

El siguiente cuadro “La mujer toca el Laúd”, obra de Frans van Mieris el Viejo (1635-1681), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 30 x 40 cm.

Frans van Mieris fue un dibujante, grabador y pintor barroco holandés, especializado en pintura de género y retratos.

A menudo escogió tablas de pequeño tamaño, de 30 x 40 cm, nunca se atrevió a dibujar figuras a tamaño natural. Se le clasifica, junto a él y con Gabriël Metsu dentro de los fijnschilders neerlandeses, esto es, pintores en los que la precisión es tal que las pinceladas se hacen invisibles a simple vista. La forma en que representa las telas, la seda en particular, es, en este punto, notable. El aspecto final es de efectos brillantes y un bruñido metálico.

El siguiente cuadro “Retrato de un Hombre”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

El cuadro representa el retrato de un hombre de mediana edad, su identidad no ha podido autentificarse pero por sus ropajes se trata de un miembro de una familia acomodada de la ciudad de Haarlem, la inscripción indica que tenía 47 años.

El siguiente cuadro “Retrato de un muchacho”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

Esta pintura muestra el hijo menor de un grupo familiar, cuyos retratos ejecutados por Braij que se encuentran en la Galería Nacional de Escocia. Una muy débil inscripción afirma que tiene siete años, y que de Braij lo pintó en 1663. Este fue el mismo año en que se hizo el retrato de su madre. No se sabe si hubo o no algún otro miembro de esta familia que Braij había pintado. Muy pocos grupos de retratos individuales de la familia como ésta han sobrevivido.

El siguiente cuadro “Retrato de un muchacho”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.