Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

Jan Bray era hijo del pintor Salomón Bray, Salomón fue padre de diez hijos, de los que al menos tres continuaron el oficio paterno, en el que destacaron Dirck de Bray y Jan de Bray, y murió probablemente a causa de la peste que asoló Haarlem en 1664, y que se llevó también a cuatro de sus hijos, fallecidos todos entre abril y mayo de ese año.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

En el retrato aparece la madre de toda la familia retratada. El pintor era miembro de una familia católica, fue pintor de cuadros de historia con sus temas sacados tanto de la Biblia y de la mitología clásica como de la antigüedad grecorromana, sirviéndose en ocasiones como modelos de los miembros de su familia y de sí mismo.

El siguiente cuadro “Retrato de los gemelos Clara y Alberto de Bray”, obra de Salomón de Bray (1597-1664), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 82 x 64.8 cm.

El pintor Salomón de Bray nació en Ámsterdam, donde probablemente comenzase su formación artística con maestros como Jan Pynas, Nicolaes Moeyaert y Pieter Lastman, debió de trasladarse muy pronto a Haarlem, pues ya en 1617 figuraba en esta ciudad inscrito en la milicia cívica de San Adrián y en la cámara de retórica o sociedad dramática llamada “De Wijngaertranken”, donde pudo conocer a su esposa Anna, hermana de artistas, con la que casó en 1625. En Haarlem completó su formación en dibujo y pintura con Karel van Mander, Hendrick Goltzius y Cornelis van Haarlem y en 1630 se inscribió en el gremio de San Lucas de la ciudad, del que entre 1632 y 1641 formó parte de la junta.

El siguiente cuadro “La boda en el pueblo”, obra de Jan Steen (1626-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655-1660. Tiene unas medidas de 52.9 x 47.90 cm.

El cuadro es del tipo costumbrista y muestra como después de una boda en la Holanda del siglo XVII, era costumbre que los novios hacían una procesión hasta la casa del novio o de una posada. El novio dio la bienvenida a la novia allí, y entonces el matrimonio se celebró con un banquete, con baile y entretenimiento que a veces duraban durante varios días. La pareja lleva guirnaldas festivas, con el novio está posicionado como una alusión obscena a la noche de bodas.

El siguiente cuadro “Retrato de Pietro Verdonck”, obra de Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1627. Tiene unas medidas de 46.7 x 35.5 cm.

El retrato es de un hombre de cabello alborotado con un gran bigote empuñando una mandíbula de un animal tiene un impacto sorprendente. También muestra una notable capacidad de Hals para transmitir apariencia y carácter. El hombre es, probablemente, Pieter Verdonck, un miembro prominente del grupo más puritano de menonitas en Haarlem, que era agresivo y argumentativo. Sus ataques verbales se consideraron tan fuertes como los golpes que el personaje bíblico Sansón golpeó con la quijada de un trasero; de hecho, un grabado contemporáneo del retrato incluía la inscripción “Verdonck ese tipo abierto cuyos ataques todos se quejaban”.

El siguiente cuadro “Una visión de Colonia con la Karthausekirche y san Pantaleón”, obra de Jan Van der Heyden (1637-1712), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1652.

Jan van der Heyden nació en Gorinchem, 1637 y murió en Ámsterdam, 1712, fue un pintor barroco, dibujante, grabador e inventor neerlandés.

No se tienen noticias sobre su formación, pero al contraer matrimonio con Sara ter Hiel, natural de Utrecht, el 28 de mayo de 1661, se declaraba pintor. Dadas las relaciones familiares de su esposa con Emmerich y Wesel en Alemania viajó por los Países Bajos del Sur y la región del Rin, según demuestran sus obras, en las que son reconocibles paisajes urbanos de Bruselas, Colonia, Bonn, Xanten, Aquisgrán y Cléveris, además de Emmerich y Wesel. En 1670 fue nombrado superintendente municipal y con su hermano Nicolaes, ingeniero hidráulico, perfeccionó la máquina de bombeo para la extinción de incendios, sobre lo que publicó un tratado en 1690 en el que le ayudó su hijo mayor, Jan. También ideó un sistema de iluminación de la ciudad y, por encargo del ayuntamiento, diseñó las primeras farolas instaladas en Ámsterdam.

El siguiente cuadro “Paisaje de Wageningen”, obra de Hercules Pieterszoon Seghers (1589-1638), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1630. Tiene unas medidas de 40.3x 48.2 cm.

El pintor fue un gran paisajista holandés que trabajó en Haarlem y Ámsterdam. Se especializó en la pintura y el grabado de escenas de paisajes montañosos. Por el dramático contraste de luces y sombras, sus obras poseen una calidad mística y perturbadora; el ser humano queda reducido en ellas a una figura solitaria y ocasional en un marco intimidante. Fue uno de los artistas más originales de su época y el primero de los holandeses en realizar grabados en color. Ejerció gran influencia en artistas posteriores, entre los que puede citarse a Rembrandt.

El siguiente cuadro “Paisaje de Invierno”, obra de Hendrick Avercamp (1585-1634), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1610-1620. Tiene unas medidas de 28.6 x 42.2 cm.

Esta escena de invierno está llena de gente, presenta una sección transversal de la sociedad holandesa que disfruta de una amplia gama de deportes de invierno, en los canales congelados. Las figuras en primer plano llevan palos largos están jugando al “KOLF”, una forma temprana de golf. El recinto amurallado en el fondo se pensaba anteriormente podía ser la ciudad natal del artista, Kampen, pero en realidad es un sitio imaginario. A la izquierda del molino de viento hay una posada, indicada por el signo con una media luna blanca. Las figuras de colores brillantes se destacan contra los sobrios y sutiles tonos del paisaje.

El siguiente cuadro “Milagro de los panes”, obra de Abrham Bloemaert (1564-1651), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1593.

Bloemaert probablemente pintó esta obra recientemente descubierta poco después de su estancia en Ámsterdam entre 1591-1592. Allí habría conocido a artistas de Haarlem, el lugar de nacimiento del manierismo holandés. La escena es típica de las pinturas manieristas, se lleva a cabo en la media distancia. La historia se relata en los cuatro Evangelios. Cristo milagrosamente alimentó a cinco mil de sus seguidores con sólo cinco panes y dos peces. La escena está enmarcada y parcialmente oscurecida por figuras retorcidas monumentales en el primer plano, modelado en fuertes contrastes de luces y sombras y colores ácidos. La pintura tiene una estructura inusual, ya que la tela original se ha pegado a la madera que ha numerado incisiones por todas partes (parte inferior izquierda visible). Probablemente estaban destinados a la transferencia de la composición, posiblemente para una impresión.

El siguiente cuadro “Estudio de la figura humana”, obra de Cornelius van Haarlem (1562-1638), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1627-1630. Tiene unas medidas de 31.8 x 23.7 cm.

Se trata de una serie de estudios o bocetos al óleo como este se enumeran en el inventario del taller de Cornelis van Haarlem, a su muerte. Parece que los han creado copiando figuras de sus propias pinturas terminadas. Exactamente por eso que el artista podría haber hecho esto no se conoce, aunque es posible que estuvieran destinadas a servir como una especie de “patrón-book” de ejemplos para los asistentes de los talleres de pinturas. Inusualmente, hay otro boceto de un artista diferente en el otro lado del papel tiene una visión marina con el envío de Cornelis van Wieringen (1580-1633), que trabajó con en el mismo estudio que Cornelis van Haarlem. La obra data probablemente de finales de los años 1620 a 1630.

El siguiente cuadro “Cimón y Ephigenia”, obra de Carnelis van Poelenburch (1594-1667), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630-1640. Tiene unas medidas de 31.8 x 23.7 cm.

Cornelis van Poelenburch o Poelenburgh fue un pintor barroco neerlandés especializado en la pintura de paisajes con figuras.

Estudió con Abraham Bloemaert en su ciudad natal, residiendo posteriormente en Roma entre 1617 y 1625. En la Ciudad eterna fundada con Jan van Bijlert el grupo llamado de los Bentvueghels, que reunía a los pintores nórdicos allí establecidos y aprendió el estilo de paisaje clásico, que posteriormente llevó a su país, siendo el principal exponente de esta corriente junto con Bartholomeus Breenbergh. En 1625 y 1626 residió en Florencia donde coincidió con Jacques Callot. A su regreso a Utrecht, su obra tuvo un gran éxito, sobre todo en círculos aristocráticos, y tuvo numerosos discípulos e imitadores,

El siguiente cuadro “Interior de una posada”, obra de Sebastián Bourdon (1616-1671), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1640.

Estamos ante una obra costumbrista que representan el interior de una taberna, durante algún tiempo este tipo de pinturas fueron muy demandadas por los nueva burguesía que exhibían en sus hogares para poder disfrutar de la realidad social de aquella época.

El siguiente cuadro “Paisaje clásico con Judá y Tamar”, obra de Pierre Patel el Viejo (1605-1676), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de 51.1 x 66.4 cm.

El cuadro muestra un paisaje que en realidad es idealizado donde aparece un templo clásico. La pintura representa el encuentro entre Judá y Tamar, relacionados en el libro de Génesis. Tamar, está disfrazado, seduce a Judá (su padre-en-ley) y más tarde da a luz a gemelos. Patel nunca visitó Italia, pero a pesar de ello su obra está impregnada de la luz, amplias vistas y ruinas antiguas sinónimo de ese país.

El siguiente cuadro “Patanes Bebiendo”, obra de Pierre Patel el Viejo (1605-1676), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de 51.1 x 66.4 cm.

Característico de la pintura de género principios de Teniers, este trabajo representa deleitándose a los típicos “patanes” en una taberna. Un grupo de campesinos se reúnen alrededor de una pequeña mesa y se dedican a beber y fumar. Tales escenas de comportamiento eran muy populares entre aquellos lo suficientemente ricos como para comprar pinturas. Tenían una implicación moralizante, y fueron disfrutados por los clientes ricos que compararon sus propios comportamientos a la de los campesinos toscos, midiendo así sus propios principios superiores y el bienestar moral. Las personas que se muestra a menudo tienen gestos sin escrúpulos legibles, por ejemplo, el hombre que fumar tiene su mano izquierda (tradicionalmente la mano siniestra) oculta en su abrigo y el sombrero calado hasta los ojos para denotar su falta de confiabilidad.

El siguiente cuadro “El Contento”, obra de Adam Elsheimer (1578-1610), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1606-1610. Tiene unas medidas de 30 x 42 cm.

El cuadro ilustra un episodio de la novela picaresca española “Guzmán de Alfarache”, publicado por Mateo Alemán en Madrid en 1599 y publicado en una versión italiana en 1606. En la historia, los habitantes de la Tierra adoraron al dios Contento (dios de la alegría y la felicidad) más que cualquier otro lugar. Celoso de esto, Júpiter envió a Mercurio para secuestrar a Contento y reemplazarlo con su hermano gemelo Descontento. Elsheimer fue el primer artista para representar esta historia, pero se desvió de la novela cambiando la figura de Contento en una diosa femenina. A la izquierda, Júpiter se cierne en el aire mientras se dirige a Mercurio, que es visto con su sombrero de alas distintivo y tirando Contento por encima de la multitud devota. En el fondo, la gente disfruta de una gran variedad de deportes y juegos, conscientes de su inminente “descontento”.

El siguiente cuadro “Paisaje Fantástico”, obra de Paul Brill (1553-1626), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1598. Tiene unas medidas de 21.30 x 29.20 cm.

Este pequeño paisaje realizado sobre plancha de cobre es un buen ejemplo de paisajes imaginarios de Bril. Él utilizó la convención establecida de dividir una vista lejana en bandas de colores para sugerir la idea de retroceso de espacio, desde del primer plano de color marrón cálido, a través de la tierra de en medio con un color verdoso ligero y el fondo un azul fresco. Bril también combina elementos de la tradición paisajística flamenca nativa, como los troncos de los árboles retorcidos, afloramientos rocosos y el escarpado de los valles y ríos, con su interés por fragmentos clásicos y ruinas arquitectónicas. Las figuras animadas proporcionan notas de color y algo de interés humano.

El siguiente cuadro “El Bautismo de Cristo”, obra de Pieter Lastman (1583-1633), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1629. Tiene unas medidas de 51.1 x 66.4 cm.

Pieter Lastman fue un pintor holandés de la época barroca. Se recuerda a Lastman, sobre todo, porque entre sus alumnos estuvieron Rembrandt (entre 1622-1623) y Jan Lievens.

Era hijo de un correo, que fue despedido en 1578 porque siguió siendo católico. Su madre apreciaba mucho el arte de la pintura. Su aprendizaje se produjo con Gerrit Sweelinck, hermano de Jan Pieterszoon Sweelinck y que, a su vez, había sido aprendiz de Cornelis van Haarlem; por esta vía llegan a su obra las influencias de la antigua escuela de pintura de Haarlem. Pero tuvo mayor importancia el viaje que hizo, aproximadamente entre 1604 y 1607, a Italia. Allí descubrió la obra de Caravaggio (lo mismo que los pintores de la Escuela de Utrecht unos pocos años más tarde), de los Carracci y de Adam Elsheimer, quien le influyó en el paisaje y el modelado de las figuras.

El siguiente cuadro “Paisaje de Cristo y San Juan Bautista”, obra de Goffredo Wals (1590-1638), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1625. Tiene una medida circular de 28,50 cm.

El cuadro tiene forma de tondo circular, es una composición con unos evocadores paisajes italianos típicos de Wals, aunque algo inusual para él, se incluye dos figuras en primer plano. Aunque se supone que las figuras son Cristo y San Juan Bautista, la falta de cualquier narrativa hace que esta identificación sea incierta. Las figuras podrían posiblemente ser alguno de los apóstoles o Cristo y San Pedro. Wals parecía rechazar la narrativa en la mayor parte de sus pinturas, concentrándose en cambio en el paisaje y los edificios que lo pueblan, así como los efectos de la luz. En esta pintura, el edificio en la otra orilla del río se puede basar en el Tor di Quinto en el Tíber, cerca de Roma.

El siguiente cuadro “La lapidación de San Esteban”, obra de Adam Elsheimer (1578-1610), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1603-1604. Tiene unas medidas de 34,7 x 28,60 cm.

El cuadro hace una interpretación de la lapidación de San Esteban, fue el primer mártir cristiano y experimentó una visión de los cielos abiertos mientras era lapidado. Se había enfurecido a las autoridades de Jerusalén con su predicación, fue acusado de blasfemia. Lleva la túnica de un diácono, como también fue uno de los primeros siete diáconos nombrados por los apóstoles. Un haz de luz intensa brilla entre el santo de rodillas y los ángeles del cielo, él lleva las hojas de palma del martirio y una corona de laurel.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con el niño San Juan Bautista en un paisaje”, obra de Denys Calvaert (1540-1619), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1590-1600. Tiene unas medidas de 42 x 32 cm.

El cuadro representa el momento en que la Sagrada Familia huye a Egipto, mientras que los ángeles proporcionan fruta refrescante y agua de manantial. El niño de Cristo bendice el niño San Juan Bautista, cuya cruz de caña se hace eco de la cruz de madera que aparece en la visión milagrosa anteriormente. Un Putti emerge de una abertura en las nubes sobre el paisaje montañoso, la celebración de los instrumentos de la pasión de Cristo: la cruz y los clavos, y la columna sobre la que es flagelado. La lámina de cobre lisa sobre la que se pinta este trabajo proporciona una superficie ideal para el estilo fluido de Calvaert, la mejora de los colores brillantes y acabado como una verdadera joya.

El siguiente cuadro “Adoración de los Magos”, obra de Giorgio Vasari (1511-1574), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1567. Tiene unas medidas de 65 x 48 cm.

Este cuadro es un boceto o una replica a escala de un retablo pintado en 1566 para el recién elegido Papa Pío V, que estaba destinado a capilla funeraria del Papa en la iglesia de Santa Croce en su ciudad natal de Bosco Marengo en Piemonte. Un dibujo preparatorio está en los Uffizi, Florencia. La investigación reciente ha revelado que esta pequeña versión fue casi con toda seguridad se pintó para el amigo cercano de Vasari Vincenzo Borghini, antes del Spedale degli Innocenti (Hospital de los Inocentes) en Florencia.

El siguiente cuadro “La edad de oro”, obra de Francesco Morandini conocido como Poppi (1544-1597), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1567-1568. Tiene unas medidas de 43 x 32.60 cm.

En la mitología clásica, la Edad de Oro fue la primera y más idílica de las cuatro edades del mundo, seguidos por los de plata, bronce y hierro. En la parte superior de este panel, las cuatro estaciones flanquean el símbolo de Aries, el primer signo del zodiaco. Por debajo hay una multitud de figuras disfrutando de los beneficios de esta era abundante y armoniosa. La composición sigue un dibujo de Giorgio Vasari ahora en el Louvre, que a su vez ilustra un programa escrito por Vincenzo Borghini. El cuadro fue encargado a Poppi, que fue uno de los alumnos más talentosos de Vasari, por sí mismo el Gran Duque Francesco de Medici. El Gobierno de los Médicis se decía que había traído una segunda edad de oro a Florencia.

El siguiente cuadro “Minerva y la forja de Vulcano”, obra de Jacopo Zucchi (1540-1596), realizado en óleo sobre panel de estaño, esta datado en 1565. Tiene unas medidas de 38,7 x 29.2 cm.

El cuadro representa una historia de la mitología donde Minerva fue a la fragua de Vulcano en la que se forjaban las armas y armaduras de los dioses, se encontraba en el monte Etna, fue a adquirir armas y armadura; Vulcano sufrió un ataque de lujuria y la atacó.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con San Juan Bautista”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1610-1615. Tiene unas medidas de 43,80 x 32.30 cm.

El cuadro fue concebido como una visión celestial íntima, se habría hecho esta pintura para uso devocional privado. Su estilo, es una combinación de pinceladas cortas y una textura líquida, casi esmaltes transparentes, está fuertemente influenciado por el gran artista del siglo XVI parmesano, Parmigianino (a quien se le atribuye incorrectamente en el siglo XIX). Procaccini fue uno de los artistas más prolíficos y exitosos de la escuela lombarda de principios del siglo XVII.

El siguiente cuadro “Cristo muerto con ángeles”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1589. Tiene unas medidas de 49 x 64 cm.

Procaccini se estableció en Milán como un pintor de una gran reputación, después de haber practicado y trabajado como escultor. Él nació en Bolonia, pero se trasladó a Milán como un niño con su familia. Su padre y hermanos mayores eran también pintores. Las pinturas religiosas dramáticos de Procaccini incluyen el escorzo audaz y numerosas figuras. Sus formas sólidas se refieren a su experiencia de proyectos escultóricos. Él también fue influenciado por Rubens, a quien conoció mientras trabajaba en Génova, y el efecto de esto es evidente en su obra posterior de la corte de Saboya en Turín.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con santos”, obra de Francesco Vanni (1563-1610), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1600. Tiene unas medidas de 42 x 32 cm.

Francesco Vanni fue un pintor y grabador del italiano. Durante su carrera evoluciona su estilo desde el Manierismo y se considera un pintor barroco. Fue influenciado y fascinado del arte de Raphael, de Federico Barocci y Annibale Carracci

En los años noventa del siglo XVI regresó a Siena donde se dedicó a realizar numerosas obras de arte sacro, fue uno de los encargados de cumplir con los nuevos cánones de la Contrarreforma. Se da cuenta del altar de Sant'Ansano, evangelizador y protector de la ciudad, en la catedral de Siena y el altar mayor de la iglesia de San Nicolás en Sasso.

La siguiente escultura “Caín y Abel”, obra de Adriaen de Vries (1555-1626), realizado en bronce, esta datado en 1612.

Adriaen de Vries fue un escultor manierista nacido en los Países Bajos, cuyo estilo internacional sirvió de tránsito desde el Renacimiento hacia el Barroco; sobresalió en el modelado refinado y los fundidos en bronce y en la manipulación de las pátinas y se convirtió en el escultor europeo más famoso de su generación. También sobresalió en la ejecución gráfica.

Pasamos a la Sala V está dedicada a la pintura del Barroco Meridional que abarca el periodo entre 1580-1680.

La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas nacionales cada una con un sello distintivo. Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente nuevamente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo (también llamado caravagismo), basado en la imitación de la realidad natural, con cierto gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—; y el clasicismo, que es igual de realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Posteriormente, en el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), la pintura evolucionó a un estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección por los efectos ópticos (trompe-l'oeil) y las escenografías lujosas y exuberantes.

El siguiente cuadro “La Adoración de los pastores”, obra de Domenico Zampieri conocido como Domenichino (1581-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1606-1641. Tiene unas medidas de 143 x 115 cm.

El cuadro se puede ver como siguiendo las indicaciones de los ángeles a un grupo de pastores como están fascinados a su alrededor para admirar el recién nacido Jesús. El bebé está rodeado de una luz divina que baña la escena con una luz cálida. Una fuente temprana describe esta pintura como una copia después de un trabajo perdido por el capitán del Domenichino, Annibale Carracci. De hecho, la composición propia de Domenichino, aunque fuertemente influenciada por Carracci. En el momento se hizo esta pintura Domenichino todavía estaba haciendo frecuentes visitas al estudio de Carracci en Roma.

El siguiente cuadro “Retrato de Giambologna”, obra de un miembro anónimo de la escuela flamenca, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de 171.2 x 133 cm.

Jean Boulogne conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento.

Fue el autor de algunas de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

El siguiente cuadro “Matrimonio místico de santa Catalina”, obra de Nicolas Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1629. Tiene unas medidas de 171.2 x 133 cm.

Las figuras están dispuestas a través de la imagen como si se tratase de un bajorrelieve esculpido clásico. Su amplia solidez y las ropas de colores vivos reflejan la influencia de Rafael y Tiziano en los primeros trabajos de Poussin en Roma. Santa Catalina de Alejandría recibe un anillo que simboliza su unión espiritual con Cristo. Ella fue bautizada al cristianismo (supuestamente en el siglo IV) y se negó a casarse con el emperador romano. El emperador la torturó en una rueda pero se rompió milagrosamente. Para después, decapitarla. Se representa con una hoja de palma y la espada simboliza su martirio. Inusualmente, la pintura esta realizada sobre cinco planchas de roble en lugar de lienzo ya de la época.