Viaje escocia -islas orcas y hébridas exteriores

Día 25 de julio (lunes)

Ruta: Londres
Por la mañana nos levantamos temprano porque sabemos que el tren a Londres sale de la estación de tren “Windsor and Eton Riverside”. Con puntualidad británica parte a las 9,25 horas y tenemos que estar unos minutos antes, esta es la línea de tren que termina en la estación Waterloo (Londres). El precio de los tickets ida y vuelta, incluye el metro ilimitado por Londres, es 51,30 £ (3 adultos y 1 niño).

Después de poco menos de 1 hora llegamos a Londres y finalizamos el recorrido en la estación de Waterloo, hacemos trasbordo a la línea de metro con destino a la torre de Londres. Las estaciones son: Waterloo → Embankment trasbordo de línea: Embankment → Temple → Blackfriars → Mansion House → Cannon Street → Monument → Tower Hill.

El primer sitio que queremos hoy visitar es la Torre de Londres, para llegar tenemos que ir hasta la estación del metro Tower Hill, líneas Circle, District y DLR. Precio familiar £63.00 Horario: 10,00-17,30h.

La Torre de Londres, oficialmente el Palacio Real y Fortaleza de su Majestad, es el castillo histórico situado en la ribera norte del río Támesis en el centro de Londres. Se encuentra dentro del distrito londinense de Tower Hamlets, separado del límite norte de la ciudad por un espacio abierto conocido como Tower Hill. Se fundó hacia finales de 1066 como parte de la conquista normanda de Inglaterra. La Torre Blanca, que da nombre al castillo entero, fue construida por Guillermo el Conquistador en 1070, convirtiéndose en símbolo de la opresión para la gente que vivía en Londres.

La edificación de la Torre de Londres se inicio a cargo de Gundulf, era el nuevo obispo de Rochester. En la construcción participaron canteros y albañiles normandos utilizando piedras traídas desde Normandía. Además se hizo un bando para implicar a todos los londinenses en la construcción de la torre como mano de obra barata, en treinta años la torre había concluido.

El edificio era el mayor de todo el país, tenia 36 x 32,5 metros y el punto más bajo alcanza los 17,5 metros, la Torre se divisaba en el horizonte desde varios kilómetros a la redonda.

La Torre se protegido por las murallas romanas en dos de los lados, en los lados norte y oeste se abrieron unas fosos de 7,5 metros de anchura por 3,4 metros de profundidad y rematado por una empalizada de madera. La función principal de la torre era de alcázar o plaza fuerte, papel que perduro hasta el siglo XIX.

Durante la época medieval las fortificaciones de la Torre fueron ampliándose hasta convertirse en 1350 a lo que hoy en día podemos ver. Las ampliaciones comenzaron durante el reinado de Ricardo Corazón de León, aunque que fue un rey que se dedico más a las cruzadas y dejo al obispo William Longchamp al cuidado y duplico el tamaño con la creación de nuevas defensas.

A Ricardo Corazón de León le sucedió su hermano Juan, público la primera Carta Magna (constitución)

El rey Enrique III sucedió a Juan y se dedico a la reforma del castillo ampliando los aposentos reales en la Torre, luego mando construir dos nuevas torres en la parte del río Támesis, se llamaron Wakefield dedicada a los aposentos reales y Lanthorn, probablemente dedicada a la reina. Más adelante se construyo una inmensa muralla de lienzo a los lados norte, este y oeste reforzados por nueve torres y un foso lleno de agua obra del ingeniero flamenco John Le Fossur.

El siguiente rey fue Eduardo I que pensó en completar las obras de su padre en la Torre para transformarla en el castillo concéntrico más grande de Inglaterra, tapo el anterior foso y construyó una nueva muralla y después levanto otro foso. Además utilizó el castillo como cárcel y como un depósito seguro para guardar los documentos oficiales del reino y constituyó la sede de la Casa Real de la Moneda.

La Torre fue protagonista histórica durante el reinado de Eduardo IV, al fallecer, sus dos hijos Eduardo V (12 años) y su hermano Ricardo de Shrewsburg (9 años) fueron llevados a la Torre por orden de su tío, el duque de Gloucester. Los príncipes fueron declarados ilegítimos y el tío fue coronado como rey de Inglaterra Ricardo III.

Durante la casa de los Tudor y bajo el mandato de Enrique VIII se levantaron nuevos aposentos con un armazón de madera para que pudiera ser utilizada por su mujer Ana Bolena pero nunca llegaron a visitarse.

La época de Enrique VIII convierte al castillo en un centro de internamiento y represión. Entre sus prisioneros más famosos fueron: Tomás Moro y Ana Bolena.

En conjunto, la Torre es un complejo de varios edificios situado dentro de dos anillos concéntricos de muros defensivos y un foso; el castillo se amplió en varias fases.

La torre se orientó de manera que sus defensas más fuertes dominasen hacia la ciudad de Londres, lo que sugiriere era deliberado porque le parecía que el peligro podía venir desde la propia ciudad no desde el exterior.

El castillo lo conforman tres recintos: el más interior contiene la Torre Blanca, corresponde con la fase más temprana de la construcción del castillo; rodeándola hacia el norte, este y oeste se encuentra la estructura más central, construida durante el reinado de Ricardo Corazón de León. Finalmente, se encuentra el recinto exterior, que abarca todo el castillo y fue construido bajo el mandato de Eduardo I. A pesar de que después de la fundación de la Torre de Londres por Guillermo el Conquistador.

El patio central engloba el área sur de la Torre Blanca, extendiéndose a lo que en su día fue la ribera del Támesis. Como en el caso de otros castillos del tipo mota castral, como el Hen Domen (siglo XI), esta zona central se llenaba probablemente con edificios de madera de la fundación de la Torre.

La Torre Blanca es un torreón (también conocida como torre principal), con frecuencia la estructura más fuerte de un castillo medieval, que contenía un alojamiento adecuado para el lord, en este caso, el rey o su representante. Era uno de los que mejor conserva su estado en el mundo cristiano, y fue descrito como “El palacio más completo del siglo XI en Europa”.

En las esquinas situadas al oeste se encuentran torres cuadradas, mientras que la torre circular nordeste alberga una escalera de caracol. La presencia de una capilla en la esquina sureste resultó en una proyección semicircular para acomodar el ábside. Sin contar el mencionado ábside, la Torre Blanca mide 36 por 32 metros en la base, elevándose a una altura de 27 metros en las murallas del sur. Dado que el edificio pretendía ser una confortable residencia a la vez que una fortaleza, las letrinas se construyeron dentro de las murallas, y se colocaron cuatro fuegos para proporcionar calor.

Nada más entrar en el castillo y dentro del primer anillo de la muralla podemos ver la Puerta de los Traidores, era el lugar por donde muchos prisioneros de los Tudor entraron en la Torre de Londres. La puerta fue construida por Eduardo I, para proporcionar una puerta de agua de entrada a la torre, que forma parte de la torre de Santo Tomás, que había sido diseñada para ofrecer un alojamiento adicional para la familia real.

Detrás de puerta de los traidores hay una piscina con un motor que se utilizó para elevar el agua a una cisterna en la azotea de la Torre Blanca. El motor funcionaba originalmente por la fuerza de la marea o tirados por caballos y, finalmente, por el vapor.

En la Puerta de los Traidores los prisioneros fueron llevados en barcazas a lo largo del Támesis, pasando por debajo del puente de Londres, donde se exponen los presos recientemente ejecutados sobre picas. Entre otros, fueron la Reina Ana Bolena y Tomás Moro entraron en la torre por la puerta de los traidores.

Entramos en el segundo anillo del castillo a través de Wakefield Tower, fue levantada en el siglo XIII durante el mandato del rey Enrique III. La Torre fue construida después de la Torre Blanca y constituye la mayor torre de la fortaleza. En su parte inferior se compone de fábrica de piedra, la parte superior hecha de capas de mampostería.

Al igual que otras partes del castillo la torre de la Torre Wakefield servido como prisión. Después durante el reinado de Eduardo I la Wakefield Torre se utilizó como un archivo de documentos estatales.

La Torre de Londres era el zoológico de la casa real, allí se enviaban ejemplares de animales exóticos desde todas las partes del mundo. La Real Casa de fieras se mantuvo en la Torre de Londres durante más de 600 años y fue el hogar de muchas especies: leones, tigres, osos, canguros, camellos, linces, lobos, cebras, cocodrilos, monos y muchas más criaturas de todo el mundo. En el siglo XVI la colección de animales se abrió al público hasta 1831 en que se abrió el zoológico de Londres con los ejemplares que se encontraban en la torre.

Más adelante podemos ver las casetas donde se cuidan los Seis Cuervos que viven cautivos en la Torre de Londres. Su presencia continua se cree que es una tradición para proteger la corona y la propia torre; una superstición de la leyenda indica que: “si los cuervos de la torre de Londres se mueren o se van volando, la Corona caerá y Gran Bretaña con ellos”.

En el jardín se encuentra el cañón llamado “Bronce Gun” fue construido en Turquía en 1530 y fue capturado en Adén (Yemen) por el oficial británico H Smith que había desembarcado para frenar los ataques piratas contra el comercio marítimo con la India en 1844.

La Torre Blanca tenía tres funciones principales. Primera, era una simple fortaleza qué seguramente sería considerada como inexpugnable en los momentos de su construcción. Segundo era utilizada por el rey y para las principales funciones del gobierno. Como tercero es para servir de recuerdo a la población de la autoridad real.

La visita se realiza por el piso de entrada que muestra el linaje de los reyes, se exponen una colección de armas y armaduras reales en caballos de madera a tamaño real. Entre ellas se encuentran las armaduras de Enrique III, Carlos I, Jaime II y Enrique VIII.

Subiendo por una escalera de madera se llega al primer piso, está dividida en dos salas donde se muestran una impresionante colección El Linaje de los Reyes, es la más antigua del mundo y la mejor conservada. Se presentan una serie de figuras sobre caballos con tallas de los mejores artesanos del mundo.

La gran colección es la del rey Enrique VIII, la colección abarca desde que el rey estaba más delgado hasta que ensancho. Es de destacar de la armadura era su tamaño pero más en concreto la armadura del rey destacaba por su enorme bragueta

La primera de las armaduras esta completa y hace juego con la del caballo “La Plateada y grabada armadura del rey Enrique VIII”, fue decorada por Paul van Vrelant. Probablemente construida en Greenwich, esta datada sobre 1515.

La armadura fue sin duda hecha en Bruselas, ya que lleva la marca M y la media luna ahora atribuida a Guille Margot. La armadura es conocida por haber sido adquirida como un arnés y decorada en Inglaterra. La decoración es obra de Paul van Vrelant, originario de Bruselas, que se llevó a cabo por la designación del Rey.

La decoración de la armadura del caballo coincide con el de la armadura del hombre, y se basa en escenas de la vida de los dos Santos. En el saliente izquierdo se encuentra la figura de San Jorge es llevado ante el procurador Dacian y se niega a retractarse de su cristianismo. En el lado izquierdo de la grupa hay tres escenas más de la vida de San Jorge. En la parte delantera es torturado en una caldera en forma de toro de plomo fundido, pero está protegido por el Señor. En la parte trasera del Santo es torturado en dos ruedas provistas de espadas.

La más famosa es la armadura gigante “Rey Henry VIII”, fue realizada en Greenwich, esta datada en 1540, el peso es de 35 kgs.

Esta armadura es la mayor de las fabricadas en Greenwich hechas especialmente para el rey Enrique VIII. Es posible que se tuviera la intención de usarla para el torneo de Mayo que se celebró durante el 1-5 de mayo de 1540. El evento contó con torneos que se celebraban a pie o el combate sobre caballo.

Destaca en la armadura la protección acorazada para la parte genital, esto se había puesto de moda durante el renacimiento en cuestiones armamentísticas fue asemejar ciertas piezas de las armaduras de la indumentaria normal. Debido a este nuevo hábito, los escarpes se empezaron a fabricar con una morfología similar a la de los zapatos, los toneletes de las armaduras tomaban la apariencia de los sayos masculinos, y en algunos casos incluso se llegaron a fabricar las piezas de los brazos como si de mangas de camisa se tratase. Pero la pieza más peculiar fue sin duda la bragueta, un accesorio que pretendía proteger la zona genital del combatiente.

Esta moda empezó a gozar de enorme popularidad, alcanzando proporciones y formas un tanto grotescas tanto en cuanto se convertían en una especie de alarde viril, como si lo oculto tuviera unas dimensiones similares a su cobertura, en el caso de la armadura de Enrique VIII era ya desproporcionada.

Las braguetas solo se instalaban para combatir a pie ya que era imposible usarlas montado a caballo. Ahora bien, ¿tenía éste aditamento una utilidad verdadera o era, como pasaba con la ropa, una simple moda falocrática?.

Estas braguetas metálicas, no cumplían con otro cometido más allá de la moda de turno, y no es otro que disimular u ocultar una enfermedad de tipo venéreo, concretamente la sífilis.

La conocida hipótesis sobre que sufría de sífilis fue difundida por primera vez unos cien años después de su muerte. Argumentos más recientes sobre esta posibilidad provienen de un mayor conocimiento de la enfermedad, que permiten suponer que Eduardo VI, María I de Inglaterra e Isabel I mostraron síntomas característicos de sífilis congénita. Eduardo murió en 1552, luego de una erupción en la piel que parecía tuberculosis sifilítica congénita. En resumen, tenemos la miopía de Isabel y María, más la presumible sordera de esta última y la base de su nariz achatada con una continua y maloliente secreción nasal; cualquiera de estos síntomas podría ser resultado de una sífilis congénita. Por último, tenemos la evidencia de los dos últimos casamientos de Enrique: si, como aseguran los historiadores, su política en este sentido era dictada por un profundo deseo de crear una rama fuerte de los Tudor, entonces se infiere que Enrique se volvió estéril o impotente cerca de los cuarenta años, lo que constituye un fuerte argumento a favor de la sífilis.

La siguiente vitrina nos muestra las armaduras de Carlos I “Armadura de niño de Carlos I, realizada en los Países Bajos, datado en 1616, tiene un peso de 19.5 Kg.

Esta armadura fue encargada por el rey Carlos I cuando era niño y Príncipe de Gales, y posteriormente fue usada por Carlos II también cuando era Príncipe de Gales a la edad de catorce años. Es otro buen ejemplo de la armadura decorada holandesa de principios del siglo XVII.

Una de las más impresionantes es la que fabrico Richard Holden para Jacobo II en 1686 por un precio de cien libras esterlinas. Esta fabricada en forma de una armadura de arcabucero: donde se puede ver el casco, la coraza y el guante largo hasta el codo para la mano izquierda. En esta época las armas de fuego ya dominaban el campo de batalla y los fabricantes de estas armaduras no sabían dar respuesta a estas armas sin que pesasen demasiado. En este caso la coraza y la parte que cubre el pecho están hechas a prueba de balas pero tiene un peso de casi 17 Kg.

Una de las habitaciones es La Cámara, era una de las más importantes del interior de la Torre Blanca. Estaba situada junto al gran recibidor contaba con chimenea y aseos. Las ventanas eran mucho más pequeñas.

Probablemente eran utiliza por los guardias del rey, los que estaban a cargo de la Torre de Londres y, en ocasiones, era utilizada por el propio rey.

La ruta nos lleva hasta el segundo piso por medio de una escalera de caracol, fue añadido en 1490. En este nivel hay una galería de bóveda de cañón. La pared del lado opuesto, está sujeta con varios arcos, en su momento sostenía el pasaje de norte a sur, a nivel de almenas. En esta zona se muestra la exposición Casa Poderosa con una gran variedad de obras que ilustran las instituciones que operaban dentro de la torre desde la Casa Real de la Moneda hasta el propio zoológico, la prisión, el registro de artillería.

Bajando la escalera se llega al sótano, en la esquina sudeste podemos admirar la Capilla de San Juan, constituye uno de los interiores mejor conservados. El rey Enrique II la embelleció con vidrieras que representan a la Virgen con el Niño y San Juan Evangelista.

Quizás la visita más especial al edificio llamado Waterloo Barracks para ver las Joyas de la Corona, en estas salas acorazadas se presentan las joyas de la corona, mayoritariamente comienza la historia hace 350 de la mano de Carlos II porque las anteriores de la dinastía de los Tudor fueron fundidas por Oliver Cromwell, un republicano que derrocó a la monarquía en 1649, durante la Guerra Civil Inglesa.

La mayoría de los objetos de oro y plata con incrustaciones de pedrería que se exponen en la exposición son los que se usan durante la coronación de los soberanos, además de trajes, espadas y mazas de ceremonia, que se llevan en procesión ante el soberano, así como orbes, cetros, trompetas y túnicas. Incluso hay una cuchara de la coronación que se usa para ungir al monarca con óleo bendecido.

Entre todas las riquezas expuestas de la colección hay algunas históricas que ya no se usan en las coronaciones, así como objetos que se usaban en el banquete de la coronación. El periodo más importante en la colección se produce tras la restauración de la monarquía en 1660, Carlos II encargó nuevas y espléndidas joyas. Se compraron tres toneladas de plata de las manos del orfebre del Rey Sir Robert Vyner para llenar las estanterías de nuevas joyas.

La primera exposición pública de las joyas de la corona se realiza en la Torre Martin en el siglo XVII, en aquella época la gente acudía en masa y se permitía tocar las joyas pagando una propina al alguacil. Esto llevaba aparejado los intentos de robo como el que intentó el irlandés Coronel Blood que con un martillo de madera golpeo al guarda y se quería llevar las joyas en el interior de la capa.

En la actualidad la seguridad de las joyas se encargan a un militar retirado, el Gobernador de la Torre que custodia la colección en los antiguos Cuarteles de Waterloo, fueron construidos en el siglo XIX para albergar la guardia de mil soldados que tenia por aquel entonces Tower of London.

La primera de las obras que vemos es la colección de plata sobredorada (en realidad es plata maciza recubierta de una ligera capa de oro). Aunque también hay numerosos objetos de oro macizo como el Cetro de San Eduardo decorado con esmaltes.

En el siglo XVII se realizaron importantes piezas como el cetro del Soberano con la cruz y la orbe. La orbe en la monarquía significa el poder terrenal, la cruz, encima, es la autoridad cristiana. La primera vez que se usaron el orbe y el cetro fue en la coronación de Carlos II y desde entonces se han usado en todas las coronaciones, incluida la Reina Isabel II.

La actual reina Isabel II fue coronada con Corona de San Eduardo es una de las más antiguas joyas de la corona del Reino Unido y una pieza central por su antigüedad. El nombre de Eduardo el Confesor, ha sido utilizado tradicionalmente para coronar a los monarcas británicos y en sus ceremonias de coronación. La versión actual fue hecha para la coronación de Carlos II en 1661

La antigua corona británica fue construida por Eduardo el Confesor llevó la corona original, en Pascua, Pentecostés y Navidad. Construida con distintos elementos incorporados de una corona que pertenecía a Alfredo el Grande. En 1066, la corona de San Eduardo se utilizó según se dice en la coronación de Guillermo el conquistador, posteriormente fue utilizada para las coronaciones de Guillermo II (1087), Enrique I (1100), de Esteban (1135), Enrique II (1154), Ricardo I (1189 y 1194) y el rey Juan (1199).

El collar y los pendientes que llevaba la reina fueron hechos para la reina Victoria en 1858 construidos con los diamantes: una gran brillante seguida de uno más pequeño, con una gran caída en forma de pera. Las gotas eran originalmente parte del Koh-I-Noor brazal.

La reina Isabel II utiliza más habitualmente la Corona del Estado Imperial, es mucho más ligera que la de San Eduardo. Esta corona es la que utiliza la Reina todos los años para la ceremonia de apertura del Parlamento Británico. Tiene cuatro diademas y se compone de 2.868 diamantes, 273 perlas, 17 zafiros, 11 esmeraldas, y 5 rubíes. En su parte superior se coloca una cruz patada o de paté (cuyos brazos se estrechan al llegar al centro y se ensanchan en los extremos) y en su interior una capa de terciopelo.

Las gemas que se exponen son más actuales porque hasta el reinado de Jorge IV, existía la costumbre de alquilar las piedras preciosas y engastarlas en sus monturas para la coronación luego eran devueltas a sus dueños. Jorge IV insistió en comprar las piedras preciosas y que se quedaran en la colección de la corona.

El diamante más importante es Cullinan I es una gema de diamante con un peso 3,106.75 quilates (621,35 g) descubiertos en la mina Premier Nº 2 en Cullinan, hoy en día, Sudáfrica, el 26 de enero de 1905. Fue nombrado después como el presidente de la mina, Thomas Cullinan.

Se presentó ante el rey Eduardo VII del Reino Unido por su 66 cumpleaños y se corta en varias gemas pulidas, el mayor de ellos se llama Cullinan I o la Gran Estrella de África, y en 530,4 quilates (106.08 g) es la piedra de mayor tamaño y transparente de diamantes del mundo. Fue el mayor diamante pulido de cualquier color hasta el descubrimiento en 1985 de la Golden Jubilee Diamond (545,67 quilates (109,13 g)), también de la mina Premier. Cullinan I se monta en la cabeza del cetro de Sovereign con la cruz. La segunda mayor es Cullinan II o la Segunda Estrella de África; a 317.4 quilates (63,48 g) es el cuarto mayor diamante tallado en el mundo, y está montado en la Corona del Estado Imperial. Tanto los diamantes son parte de las joyas de la corona que pertenecen al monarca en el derecho de la Corona.

Otros siete grandes diamantes de corte de la original con un peso total de 208.29 quilates (41,66 g) son de propiedad privada por la reina Isabel II, quien los heredó de su abuela, la reina María, en 1953, junto con noventa y seis piedras de menor importancia.

Otro de los diamantes más famosos es El Kōh-i-Nūr, que significa “Montaña de Luz” en persa, es un diamante de 108 quilates (21,6 gramos en su corte más reciente), fue en su momento uno de los diamantes más grandes del mundo. El Kōh-i Nūr es originario del estado de Andhra Pradesh en la India al igual que su doble, el Darya-ye Noor (“Luz del Mar”). Había pertenecido a gobernantes hindúes, mogoles, persas, afganos, sikh y británicos, que lucharon amargamente por él en varios puntos históricos y fue tomado como trofeo de guerra una y otra vez. Al final la Compañía de las Indias Orientales se quedó con él para hacerlo parte de las Joyas de la Corona Británica cuando la Reina Victoria fue proclamada emperatriz de la India en 1877.

La leyenda sobre el diamante: “Quien posea este diamante dominará el mundo, pero también conocerá todas sus desgracias. Solo Dios, o una mujer, pueden llevarlo con impunidad”.

Salimos nuevamente al patio de la Torre de Londres para descubrir la Torre Martin, era el lugar donde se guardaban las joyas de la corona entre 1669 y 1841 hasta su traslado a los Cuarteles de Waterloo. Tiene una construcción de ladrillo que recuerda el aspecto de la fortaleza antes de las restauraciones del siglo XIX.

Durante los doscientos años que estuvieron custodiando las joyas en esta torre, las joyas se exponían en la planta baja y la familia que las custodiaba, vivían en la planta alta. El primer Custodia nombrado por el rey fue Talbot Edwards que fue atacado y amarrado por el coronel Blood en el primer intento de robo de la historia de la joyas de la corona.

Desde aquí iniciamos un recorrido por la muralla norte, pasamos por la Torre Brick, La Torre Bowyer, la Torre Flint y la Torre Devereaux. Durante este recorrido podemos admirar una vista muy especial de Londres y de algunos de los edificios más modernos de la City.

Bajamos nuevamente al patio donde podemos ver el punto exacto donde se hacían las ejecuciones de los condenados a muerte en la Torre de Londres, ya hemos visto que durante las historia de la dinastía de los Tudor, fueron ejecutadas ciertos personajes que cambiaron la historia británica.

En su lugar se ha instalado el Memorial del Cadalso, obra de Brian Catling, realizado en vidrio y piedra de mármol grabada.

Este lugar recuerda la ejecución frente a la torre Verde de Juana Bolena, vizcondesa de Rochford, que murió junto con Catalina Howard. Por ser la dama de honor se la consideró cómplice en el presunto adulterio de la Reina. Margaret Pole, condesa de Salisbury, de 70 años, fue ejecutada por Enrique VIII por la presunta participación en la invasión católica El conde de Essez, Robert Devereux fue ejecutado por orden de Isabel I. Guillermo Lord Hastings, fue decapitado en 1483. En 1743 Farquhar Shaw y los primos Samuel y Malcolm Macpherson fueron matados por arma de fuego ante su regimiento por ser acusados de un supuesto motín.

Una dedicatoria indica: “Descansen en paz mientras caminamos las generaciones en torno a su lucha y coraje: ahí debajo los cielos inquietos”.

Enfrente del memorial se encuentra el lugar donde se enterraban las personas que eran ajusticiadas en esta parte de la torre. Enrique III hizo levantar en este cementerio la iglesia dedicada a la veneración de San Pedro. En la capilla era el lugar de enterramiento de los prisioneros más famosos ejecutados en la torre, incluyendo a Ana Bolena y Catherine Howard, las esposas decapitadas de Enrique VIII, además otros personas de sangre noble o de alta posición como la reina Grey y su marido Guilford Dudley, o Sir Thomas More y el obispo Juan Fisher, más tarde canonizados por la Iglesia Católica. Los cuerpos sin cabeza se enterraron rápida y descuidadamente en la nave o en el presbiterio, sin lápida alguna. En 1876 la Reina Victoria de Inglaterra aprobó el proyecto de restaurar la capilla, se desenterraron los cuerpos de la nave y algunos ataúdes intactos, y se enterraron en la Cripta. Los huesos hallados en el presbiterio, algunos de los cuales se identificaron, incluso los restos de Ana Bolena, se enterraron bajo el pavimento de mármol delante del altar.

En el altar del muro oeste hay una lista con los nombres de personas importantes que fueron enterradas en la capilla entre 1534 y 1747. Thomas Macaulay homenajeó a los enterrados en la capilla en su «Historia de Inglaterra» de 1848: «En verdad no existe un lugar más triste en la tierra que ese pequeño cementerio. Ahí la muerte se asocia, no como en la abadía de Westminster y San Pablo, con el genio y la virtud, con la veneración pública y el renombre imperecedero; no como en nuestras iglesias y cementerios más humildes, con lo más hermoso de la caridad social y doméstica, aquí se asocia con lo más oscuro de la naturaleza humana y del destino humano, con el triunfo salvaje de enemigos implacables, con la inconstancia, la ingratitud, la cobardía de los amigos, con todas las miserias de la grandeza caída en desgracia y de la fama arruinada. Hacia allá fueron llevadas, en sucesivas épocas, por las rudas manos de los carceleros, sin un solo doliente que las acompañase, las sangrantes reliquias de hombres que fueron capitanes de ejércitos, líderes de partidos, oráculos de senados y ornamento de tribunales».

Para terminar la visita hacemos una parada para visitar La Torre Wakefield, esta torre, que toma su nombre de la batalla de Wakefield, tras la cual fue donde se encerraron los prisioneros, fue construida entre 1220 y 1240 bajo el mandato de Enrique III, que vivió en esta torre la más grande en la Torre de Londres además de la Torre Blanca. La Torre Wakefield supuso uno de los principales puntos de apoyo defensivos de la torre, lo que ayudó a controlar la puerta principal, a orillas del río. La sala superior de la torre constituía las estancias de Enrique III, con grandes ventanales y una gran chimenea.

El muro oriental cuenta con una gran ventana de vidrio pintado en el lugar donde se erigía la capilla privada del rey. Aún quedan algunos restos, como un sagrario. La capilla es un edificio asociado en particular con el monarca Enrique VI de Inglaterra, ya que después de ser capturado por Eduardo IV en 1471 tras las Guerra de las dos Rosas, fue hecho prisionero en esta torre, y asesinado poco después.

Antes del encarcelamiento de Enrique VI de Inglaterra, la torre se usó como depósito de documentos, y centro de exposición de las Joyas de la Corona en el siglo XIX, hasta que éstas fueron trasladadas a la Casa de las joyas en 1967.

Luego visitamos la Torre Sangrienta, es conocida en inglés como Bloody Tower, constituía la entrada principal al patio interior desde la orilla del río hasta que se construyó la Torre de Santo Tomás. La cámara era un apartamento de lujo, que se usaba para retener a presos de alto rango, como los arzobispos Thomas Cranmer y William Laud de Canterbury.

La torre se denominó inicialmente Garden Tower, ya que se encuentra al lado del jardín, pero recibió su nombre actual durante el periodo de reinado de los Tudor. Varias muertes tuvieron lugar en la torre: Henry Percy, octavo Conde de Northumberland, se suicidó en 1585, supuestamente para evitar ser condenado por traición a la patria, y Sir Thomas Overbury, envenenado bajo el mandato de Jaime I.

Después de la visita a la Torre de Londres aprovechamos el idílico sitio del puente de Londres para pasear en un día soleado por una de las imágenes más evocadoras de toda la ciudad Londres. Enseguida tenemos la suerte de hacernos como dueños temporales de uno de sus bancos para descansar en el relajado ambiente del margen del río Támesis. Media hora aquí en un día tan espléndido es un buen regalo para un viajero cansado. Aprovechando el lugar y que debajo del puente hay unos pequeños puestos donde preparan comida rápida para degustar unos sándwich y unos hot dog con unos refrescos.

Por la tarde vamos al Museo Tate, para trasladarnos tomamos el metro en Tower Hill hasta la estación Blackfriars. Para llegar cogemos la línea circular y tenemos las estaciones: Tower Hill → Monument → Cannon Street → Mansion House → Blackfriars. En unos diez minutos a pie, atravesamos el puente sobre el río Támesis y llegamos al museo.

Enseguida adivinamos que el edificio tan grande revestido de ladrillo visto se trata de la antigua central de energía de Bankside, originalmente diseñada por sir Giles Gilbert Scott y construida en dos fases entre 1947 y 1963. La central eléctrica fue cerrada en 1981 y el edificio fue reconvertido en museo por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, quienes tras resultar vencedores en un concurso internacional dieron al edificio su imagen actual.

El horario del museo es de 10.00 a 18.00 horas, la entrada a la exposición permanente es gratuita.

El edificio exteriormente no indica nada pero una vez atravesada la puerta entramos en el museo, que es una antigua central eléctrica, nos inunda una extraña sensación fabril en un espacio inmenso que parece estar lleno y vacío a la vez.

La colección permanente de Tate Modern es considerada una de las más completas e importantes de arte contemporáneo del mundo. En ella figuran obras de gran parte de los artistas más destacados del siglo XX, entre ellos Pablo Picasso, Andy Warhol, Salvador Dalí, Mark Rothko, etc. Se encuentra ubicada entre los pisos tercero y quinto del edificio, mientras que el cuarto nivel acoge las exhibiciones temporales más grandes. En el segundo nivel hay un pequeño espacio de exposición para artistas contemporáneos. Cuando se inauguró el museo, las obras no se exhibían en orden cronológico, sino que se dividieron en torno a cuatro grandes grupos: Historia/Memoria/Sociedad, Desnudo/Acción/Cuerpo, Paisaje/Materia/Medio ambiente y Bodegón/Objetos/Vida real. Esta forma de exposición se debió a que la corriente principal de exposición de la historia del arte moderno se basaba entonces en los trazos marcados por el Museum of Modern Art de Nueva York. La primera reorganización de la colección permanente se produjo en mayo de 2006, la cual eliminó la anterior distribución en grupos temáticos para centrarse en los principales movimientos del arte del siglo XX. Actualmente, la colección permanente se encuentra dividida en los siguientes apartados:

Me gustaría indicar que el museo Tate no es fácil visitarlo y más para un turista que lo que le falta es tiempo pues es más difícil. Nosotros llevábamos la intención de visitar las obras maestras del arte moderno que tiene el museo Tatem, para lo cual habíamos consultado en Internet las 10 obras imprescindibles. Llevábamos los nombres y las ubicaciones pero al llegar allí es más complicado de lo que pensábamos poder identificar en donde estaban aquellas obras de arte, alguna de ellas ni tan siquiera estaban expuestas. Como solución era ir preguntando a los cuidadores de las salas donde estaba la siguiente obra que queríamos ver más próxima. Según nos explicaron el museo Tate es vivo y no esta sujeto a ninguna norma museística sobre los emplazamientos de sus fondos permanentes, por poner un ejemplo: en el museo del Louvre, el celebre cuadro de Leonardo da Vinci “La Gioconda” se expone en el piso 1 en la sala 6 llamada Salle des Etats desde hace más de 11 años, desde la última reforma y si vas al año que viene la veras en el mismo sitio, este museo es imprevisible donde podrás ver las obras al año que viene, esto obedecen a criterios diferentes: exposiciones temporales, modas, vanguardias, publicidad, etc.

Pues accidentalmente empezamos la visita por la primera planta para ver que pasa y podemos ver el cuadro “Cosacos”, obra de Wassily Kandisky (1866-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1910-1911; tiene unas medidas de 94,6 x 130,2 cm.

Kandinsky creía que abstractas pinturas podrían transmitir valores espirituales y emocionales simplemente a través de la disposición de los colores y líneas. Los Cosacos se realizó durante un período de transición, cuando él conservó algunas de representación de elementos, como los jinetes rusos en los altos sombreros de naranja en el primer plano de la pintura. Kandinsky considera éstos como puntos en los que se pudo registrar las imágenes, en lugar del verdadero contenido de la pintura.

La siguiente obra de arte del museo “El Caracol”, obra de Henri Matisse (1869-1984), realizada con pintura al agua sobre papel cortado y montado sobre lienzo, está datado 1953; tiene unas medidas de 28,6 x 28,7 cm.

En el año de 1948 Matisse estuvo impedido por problemas de salud, pero, aunque confinado a la cama, produjo una serie de obras conocidas como gouaches y collage. Éstos fueron hechos cortando o rasgando las formas de papel que había sido pintado con pintura al agua. Las formas fueron colocadas y pegados por un ayudante trabajando bajo la instrucción de Matisse. Algunas de las obras posteriores, como el caracol, eran de muy grandes dimensiones.

La siguiente obra se ha titulado “Amarillo frente a Púrpura”, obra de Olafur Eliasson, realizado con vidrio, cable de acero, el motor, el reflector y el trípode, esta datado en el año 2003.

Instalada en una habitación de un cuarto oscuro, donde hay un gran anillo de vidrio de color amarillo tiene 750mm de diámetro, está suspendido de un cable de acero unido a un motor fijado al techo, y un reflector montado en un trípode que luce una gran haz de luz directamente al disco y en una pared blanca detrás. El disco y el reflector están ambos situados a 140 cm del suelo de manera que cuando la luz pasa a través del vidrio se crea una sombra de color amarillo en la pared detrás que cambia de forma, a partir de un círculo a una elipse y de regreso, al girar el disco. Al mismo tiempo, las propiedades particulares del vidrio también sirven para reflejar la luz, produciendo una forma de color púrpura que se mueve a lo largo de las paredes de la habitación, como si el espacio en órbita. Como la sombra de color amarillo, púrpura esta forma a los cambios de luz, de acuerdo con el ángulo del disco, sino que también cambia de tamaño dependiendo de la distancia entre el disco y la pared. Los espectadores son capaces de caminar a través de la instalación de modo que las formas y los colores cubren sus cuerpos.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “La Mujer que llora”, obra del pintor Pablo Picasso, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1937; tiene unas medidas de 60 x 49 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

La mujer que llora en la Galería Tate fue el último de una serie de pinturas de Picasso que representa este tema. Dora Maar era la amante de Picasso desde 1936 hasta 1944. En el curso de su relación, Picasso la pintó en un número de formas, algunos realistas, algunas benignas, otros torturadas o amenazantes. Picasso explicó:”Para mí es la mujer que llora Durante años la he pintado de formas tortuosas, no a través de sadismo, y no con placer, ya sea;.. Simplemente obedeciendo a una visión que se forzó en mí corresponde con una realidad profunda, no en lo superficial” .

“Dora, para mí, siempre fue una mujer llorando .... Y es importante, porque las mujeres son unas máquinas de sufrir”.

La siguiente obra se titula “Canibalismo otoñal”, obra de Salvador Dalí, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1936; tiene unas medidas de 65 x 65 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

El cuadro fue realizado después de la Guerra Española en julio de 1936. Un esbozo relacionado con el cuadro, que data de 1936 y muestra dos figuras hechas de formas curvilíneas y sentadas en dos cajones de una mesa que se une a los tonos terrosos de un paisaje español en el fondo. El conflicto entre compatriotas está simbolizado por la manzana en equilibrio sobre la cabeza de la figura masculina, que se refiere a la leyenda de Guillermo Tell, en el que un padre se ve obligado a disparar a su hijo.

La siguiente obra se titula “Martirio en España”, obra de André Fougeron, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1937; tiene unas medidas de 98.2 x 153.9 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

André Fougeron pinto esta obra en 1937 para el Salón des Surindépendants en París. Su título, tan explícito, lo marcó como un artista comprometido con la izquierda política. Esta alineación fue especialmente significativa porque la polarización ideológica en Europa había llegado a un punto crítico en la guerra civil española, que había estallado en el año anterior, como una rebelión de los militares de la derecha contra el gobierno del Frente Popular de los partidos de izquierda. La imagen de Fougeron es de un caballo y una mujer que, por su estado colapsado, sirven para encarnar España. Él usaría la identificación del caballo herido de España en otras obras relacionadas con el tema. El caballo verde en la pintura toma la forma de un paisaje en el que se sumerge el cuerpo sin rostro y con la tendencia de la mujer amarilla, parcialmente revestido de púrpura. La mano con la que agarra y las extremidades con hebillas de los caballos y la cabeza caída sugieren que una dura lucha ha tenido lugar.

La siguiente obra se titula “Sin título”, obra de Malangatana Ngwenya, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1967; tiene unas medidas de 109.5 x 192.5 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

Todo el plano de la imagen está cubierta con figuras retorciéndose densamente empaquetadas que se detallan en negro y pintado en tonos brillantes de color naranja, amarillo, azul y rojo. Las figuras se superponen, aparentemente la fusión de uno en el otro y el colapso de cualquier sentido de la perspectiva o jerarquía. Rechinan de dientes blancos, las manos como garras y los grandes ojos de los seres humanos y los animales dominan la escena. Como la mayoría de las pinturas de Malangatana de este periodo, la obra representa las preocupaciones y las luchas de la gente común y la violencia y las atrocidades sufridas, mientras que su Mozambique natal luchaba por la independencia de Portugal.

La siguiente obra de arte del museo “Cosmos y desastres”, obra de David Alfaro Siqueiros (1896-1974), realizada duco, piroxilina, arena, madera de malla de cobre sobre madera contrachapada, está datado 1936; tiene unas medidas de 60,8 x 76,1 cm.

Es un artista revolucionario y activista, David Alfaro Siqueiros es uno de los principales pintores mexicanos de la primera mitad del siglo XX, fue uno de los principales muralistas, cuyas obras públicas eran parte del programa paternalista iniciado por el gobierno mexicano en la década de 1920. Los resultados fueron, en diversos grados, deliberadamente para hacer propaganda. Al mezclar Renacimiento y las tradiciones indígenas los muralistas crearon un imaginario que sirvió de base para una nueva conciencia nacional en México.

La siguiente obra de arte del museo es un díptico “Un poco de música nocturna” y “Rómulo y Remo”, obra de Peter de Francia (1921-2012), realizada en lápiz y tinta sobre papel, están datados 1969; tiene unas medidas de 77,5 x 57,1 cm.

El título “Disparates”, o también conocido como “locuras”, está tomado de los grabados realizados por el artista español Francisco de Goya en el siglo XIX que refleja los problemas derivados de la violencia y la política no resueltos de la época a través de alegorías expresando este tipo de visiones. Representaciones de proyecto de la crueldad y la codicia, es una actualización de Goya para el siglo XX en la Francia. Rómulo y Remo imagina el mito de la fundación de la antigua Roma, que muestra los líderes militares contemporáneos amamantados por una loba. Un poco de música nocturna es un juego de palabras sobre los instrumentos de tortura musicales. Se refirió a este trabajo donde ocurren cosas terribles y nadie le hace caso.

La siguiente obra de arte del museo “El ciudadano”, obra de Richard Hamilton (1922-2011), realizada en óleo sobre lienzo, están datados 1981-1983; tiene unas medidas de 206,7 x 210,2 cm. Tema: Nivel 2: artista y la sociedad. Habitaciones: Ciudadanos (Sala 10).

Hamilton ha hecho tres dípticos con pinturas relacionadas con los problemas políticos en Irlanda del Norte. Después de varios años, los presos del IRA en el Laberinto de la cárcel exigieron ser clasificados como presos políticos en lugar de los delincuentes, y por lo tanto que deben darles una serie de derechos y condiciones de vida, que se les deniega.

La siguiente obra de arte del museo “Aventura en África”, obra de Jane Alexander, realizada en resina y fibra de vidrio, arcilla, pintura al óleo y acrílica, tierra y prendas, están datados 1999-1992; tiene unas medidas variables. Tema: Nivel 2: artista y la sociedad. Habitaciones: Jane Alexander (Sala 12).

Aventura africana es una representación que comprende trece figuras tituladas individualmente, cada uno de los cuales tiene una ubicación específica en una gran área rectangular de Bushmanland tierra roja que mide aproximadamente ocho por cinco metros. Las figuras de dos patas se colocan en cajas, barriles o pedestales apoyados por placas de acero ocultas debajo de la tierra. Pangaman, la figura central en el cuadro, es una figura masculina de tamaño natural hecha de Hydrostone pintado al óleo, colocado de espaldas a la entrada a la habitación.

La siguiente obra de arte del museo “Sin titulo (para Francis)”, obra de Antony Gormley, realizada en plomo, fibra de vidrio y yeso, están datado en 1985; tiene unas medidas a tamaño natural. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Agnes Martin y Anthony Gormley (Sala 1).

Es una escultura figurativa a partir de un molde de yeso, que se ve reforzada con fibra de vidrio, y revestido de una piel de plomo de color gris oscuro. Esta envoltura exterior se compone de veinticuatro paneles soldados juntos, las líneas de soldadura gris se forma una cuadrícula visible a través de la figura, la imposición de una estructura geométrica de la forma natural del cuerpo. La postura de la figura es abierta; que se coloca con los pies separados, la cabeza inclinada hacia atrás y los brazos extendidos de manera que sus palmas se dirigen hacia adelante. La superficie de plomo ha sido perforada en el pecho, las manos y los pies por cinco pequeñas aberturas, recordando la actitud de un santo cristiano recibiendo los estigmas.

La siguiente obra de arte del museo “Retrato de una mujer joven”, obra de Meredith Frampton (1894-1984), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1935; tiene unas medidas 205,7 x 107,9 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El cuadro representa una mujer joven elegantemente vestida con una luz que se fija fuertemente en el cabello, con piel pálida, está de pie firmemente mirando hacia el exterior y hacia su izquierda. Lleva un vestido de seda con una falda de color marfil y una blusa color lila pálida, el brazo izquierdo de la modelo se inclina a su lado y se mantiene horizontalmente a través de su cuerpo, mientras que su brazo derecho está en ángulo en posición vertical descansando estrechamente contra su pecho derecho. A la mujer la rodean varios objetos realizados en un estilo neoclásico.

La siguiente obra de arte del museo “Autorretrato”, obra de Christian Schad (1894-1982), realizada en óleo sobre madera, están datado en 1927; tiene unas medidas 76 x 62 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El cuadro muestra un autorretrato del artista alemán Christian Schad y una mujer joven fuertemente enmarcado en un interior doméstico. El artista aparece en primer plano en la parte izquierda de la composición, girando ligeramente hacia la izquierda y mirando directamente al espectador con una expresión con los labios apretados. Él es la foto de medio cuerpo arriba y lleva una camisa sin cuello verde translúcido con una abertura de borlas en el pecho. Inmediatamente detrás de él en el lado derecho de la obra hay una mujer desnuda sentada en posición vertical sobre una cama con sábanas blancas. Se muestra en el perfil de su lado izquierdo, la mujer tiene una nariz prominente y una larga cicatriz que corre verticalmente por su mejilla. Ella tiene una pequeña cinta azul envuelta alrededor de su muñeca izquierda, mientras que la parte superior de su media roja es apenas visible en el extremo izquierdo de la pintura. Lo que hay detrás del hombro derecho de la mujer es una sola flor de narciso con los pétalos blancos y un pistilo amarillo. En el fondo de un horizonte de la ciudad.

La siguiente obra de arte del museo “Agosta, el hombre con deformidad en el pecho, y Rasha”, obra de Christian Schad (1894-1982), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1929; tiene unas medidas 120 x 80 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

La pintura muestra a un hombre blanco (Agosta) en una silla de respaldo alto que es una reminiscencia de un trono. Está desnudo, aparte de un manto blanco y negro que está envuelta alrededor de su mitad inferior, y se gira ligeramente a la derecha en posición vertical que hace hincapié en su caja torácica inusualmente prominente. El hombre tiene una expresión de confianza, casi arrogante, y se queda mirando hacia el espectador. Colocada delante de él a sus pies hay una mujer negra (Rasha) visible desde el pecho hacia arriba, que lleva una camiseta sin mangas con cuello en rojo y blanco. Ella se muestra frontalmente y mira impasible al espectador.

La siguiente obra de arte del museo “Mañana”, obra de Dod Procter (1892-1972), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1926; tiene unas medidas 76,2 x 152,4 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

Dod Procter había empezado a pintar una serie de simples y monumentales retratos de mujeres jóvenes que conocía, utiliza la caída de la luz a través de las figuras para dar una intensa sensación de volumen. El modelo fue Cissie Barnes, la hija de dieciséis años de un pescador de Newlyn, el pueblo de Cornualles que fue el hogar de Dod Procter la mayor parte de su vida como pintor. La popularidad de esta pintura llevó a su ser visualizada en Nueva York, seguido de una gira por Gran Bretaña desde 1927 hasta 1929.

La siguiente obra de arte del museo “Café”, obra de Pierre Bonnard (1867-1947), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1915; tiene unas medidas 73 x 106,4 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

En la pintura, se muestra una mesa desde la parte frontal y en un ángulo ligeramente elevado. Está cubierta de un mantel brillante rojo y blanco a cuadros en el que se han colocado una taza de café, dos tazas de color blanco y un plato de servir la comida. La tabla se muestra sólo parcialmente y se extiende hacia el primer plano para completar el borde inferior del lienzo. Una mujer vestida de amarillo vivo se sitúa en el lado opuesto de la mesa, tomando una taza de café y girando hacia un perro pequeño, que está de pie en el borde de la silla con dos patas sobre la mesa. El torso y brazo de una segunda mujer, vestida de azul, se ve, que baja hacia un vaso sobre la mesa, y no está claro si ella está entrando o saliendo de la habitación.

La siguiente obra de arte del museo “Chloé Boughton”, obra de Gwen John (1876-1939), realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre 1904-1908; tiene unas medidas 58,4 x 38,1 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El cuadro representa a una mujer sentada mirando hacia delante. Su cabeza está inclinada hacia abajo y hacia su izquierda. Sus brazos cuelguen libremente y su manos descansan sobre el regazo, con la mano izquierda sujeta ligeramente un trozo de papel. La mujer lleva un vestido gris con cuello redondo, cintura alta y mangas anchas, que exponen sus elegantes muñecas y acentúan sus manos. Alrededor del cuello lleva un medallón de oro decorado con colgantes de perlas que coinciden con sus pendientes. Su pelo oscuro cae libremente alrededor de sus hombros y está atado con una cinta de color negro. El espacio alrededor de ella está desnudo, aparte de una pintura en un marco negro que cuelga en la pared.

La siguiente obra de arte del museo “Naturaleza muerta con ovejas”, obra de Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre 1904-1908; tiene unas medidas 40 x 80,5 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El artista había viajado a Ámsterdam con su madre desde su casa en Viena, inmediatamente después de la llegada de los alemanes a Austria en 1938. Finalmente, el artista se instaló en Inglaterra. En esta naturaleza muerta, ella posó los objetos, incluyendo dos del siglo XVIII ovejas cloisonné chinas y un poco de fruta, en una tabla de planchar en el hotel, con la tabla de planchar que dicta la forma oblonga inusual de la pintura. Aparte de las ovejas, los objetos cuya familiaridad tranquilizadora recordó al artista de su entorno vieneses, este bodegón inusual se caracteriza por los colores vivos de la toronja y el racimo de uvas.

La siguiente obra de arte del museo “Frederick y Jessie Etchells pintando”, obra de Vanessa Bell (1879-1961), realizada en óleo sobre madera, están datado en 1912; tiene unas medidas 51,1 x 53 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

La pintura representa a dos figuras en tonos monocromos en gran medida, rodeado de fuertes bloques verticales y horizontales con bandas de color rojo y verde. El trabajo se muestra a los hermanos artistas Frederick y Jessie Etchells en el trabajo. A pesar del hecho de que es un retrato, ninguna de las figuras tienen rasgos faciales. La pintura se ha aplicado débilmente, con la pincelada con textura y bordes sin pintar todavía visibles.

La siguiente obra de arte del museo “Estudio interior”, obra de Henri Matisse (1869-1954), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1903-1904; tiene unas medidas 55 x 46 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

Este cuadro muestra una esquina del apartamento de Matisse en 19 Quai Saint-Michel, París, donde vivió de 1899 a 1907. Los temas de interiores domésticos y naturalezas muertas (en esta pintura dispuestas cuidadosamente una naturaleza muerta de un jarrón de flores, jarras, un vaso que contiene una larga cuchara y un limón en la pequeña mesa en el primer plano) eran típicas de las obras de alrededor del cambio de siglo de Matisse. El pintor asistía a clases de dibujo y escultura entre 1899 a 1904 y gran parte de su trabajo en este período se centra en la materia que surge de su práctica de estudio.

La siguiente obra de arte del museo “Nenúfares”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1916; tiene unas medidas 200.7 x 426.7 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Claude Monet y Mark Rothko (Sala 9)

En la década de 1890, Monet desarrolló un estilo sobre jardín acuático japonés alrededor del estanque en su casa de Giverny, en el noroeste de París. El jardín se convirtió en un “estudio de exterior" para el artista, y los nenúfares que flotan en la superficie del estanque se convirtió en el motivo principal de sus pinturas posteriores. Llenando el lienzo, el estanque se convierte en un mundo en sí mismo, inspirando una sensación de inmersión en la naturaleza. A veces rayan en la abstracción, los cuadros de nenúfares son la culminación de la fascinación de Monet con la luz y sus efectos cambiantes del entorno natural.

La siguiente obra de arte del museo “Plano blanco”, obra de Bram Bogart (1921-2012), realizada en cemento, pintura al óleo y lona, están datado en 1974; tiene unas medidas 240 x 270. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: La pintura con el blanco (Sala 7)

Es un muy gran pintura en blanco monocromo empleando una gruesa capa de pintura se ha aplicado a la superficie del soporte llegando hasta el marco. La zona media del trabajo sigue siendo relativamente plana y lisa, con sólo los márgenes de cada trazo grueso visibles, que corre verticalmente. Sin embargo, la pintura muestra un marco de espesor, acumulaciones de pintura empaste alrededor de los bordes.

La siguiente obra de arte del museo “Metamorfosis de Narciso”, obra de Salvador Dalí (1904-1989), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1937; tiene unas medidas 51.1 x 78.1 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Esta pintura es la interpretación de Dalí del mito griego de Narciso. Narciso era un joven de gran belleza que se amaba sólo a sí mismo y rompió los corazones de muchos amantes. Los dioses lo castigaron por dejarle ver su propio reflejo en una piscina. Él se enamoró de ella, pero descubrió que no podía abrazarla y murió de frustración. Ceder, los dioses lo inmortalizaron como la flor del narciso (narciso). Para esta imagen Dalí utilizó una técnica meticulosa, que describió como “pintado a mano color de la fotografía” para representar con efecto alucinatorio la transformación de Narciso, de rodillas en la piscina, en la mano que sostiene el huevo y la flor. Narciso como era antes de su transformación se ve posando en el fondo.

La siguiente obra de arte del museo “Pintura”, obra de Joan Miró (1893-1983), realizada en temple y óleo sobre lienzo, están datado en 1927; tiene unas medidas 97 x 130.2 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

La pintura es un gran lienzo en formato paisaje dominado por una tierra de color azul altamente saturado pintado al temple. Sobre esta superficie monocroma luminosa están dispuestas varias formas delicadamente irregulares. El más destacado de ellos es una forma amorfa blanca flotando a la izquierda, pintada con pinceladas irregulares que permiten vislumbrar el azul debajo. Líneas negras sinuosas y las formas orgánicas más pequeñas en toques de libración negro, rojo, verde, amarillo y marrón entre la abstracción y sugerencias poéticas de los órganos sexuales: las formas del pecho-como aparecen en la parte superior central y abajo a la derecha, y el pezón de este último es casi delimitada por un parche de color marrón oscuro. A la derecha, los pequeños círculos con líneas que cuelgan de ellos pueden sugerir globos en el aire.

La siguiente obra de arte del museo “La Anunciación”, obra de René Magritte (1898-1987), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1930; tiene unas medidas 113.7 x 145.9 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Los objetos en esta pintura parecen ser una hoja de metal con campanas, un recorte de papel y dos balaustradas. Su ampliación y junto con el paisaje crean una sensación de incongruencia recordando la experiencia de los sueños. En la titulación de este trabajo La anunciación, Magritte puede haber sido aludiendo irónicamente a la hostilidad hacia el catolicismo que es mostrada por los surrealistas franceses. Pero el título también sugiere que algo está a punto de suceder, una expectativa que es fundamental para la calidad de este misterioso extraño paisaje.

La siguiente obra de arte del museo “Los tres bailarines”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1925; tiene unas medidas 215.3 x 142.2 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Las formas irregulares de tres bailarines transmiten una explosión de energía. La imagen está cargada de recuerdos personales de Picasso de un asunto triangular, lo que resultó en el suicidio el corazón roto de su amigo Carlos Casagemas. Amor, el sexo y la muerte están vinculados en una danza extática. El bailarín de la izquierda, en particular, parece poseído por el frenesí incontrolado, demoníaco. Su cara se refiere a una máscara a partir del Estrecho de Torres, Nueva Guinea, propiedad de la artista, y apunta a la asociación de Picasso con las formas primitivas con la expresividad y la sexualidad.

La siguiente obra de arte del museo “Caricias de una estrella en el pecho de una negra”, obra de Joan Miró (1893-1983), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1938; tiene unas medidas 129.5 x 194.3 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Esta obra fue construida alrededor de la primera línea de un poema erótico, el equilibrio de las palabras y signos. Los dos triángulos representan tocar a una mujer en el lenguaje de signos de Miró, y el esquema del bulbo con los pelos se relaciona con su signo habitual para el sexo femenino. La estrella aparece sólo como una palabra, a pesar de la escalera alude al deseo de alcanzar las estrellas. Este es un ejemplo de la capacidad de Miró para combinar las imágenes sencillas con el antiguo simbolismo y hacer contacto con los instintos profundamente arraigados en las personas.

La siguiente obra de arte del museo “Botella de Vieux Marc, el vidrio, la guitarra y periódico”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizada con papel impreso y pintado con tinta, están datado en 1913; tiene unas medidas 46.7 x 62.5 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

Es una pequeño collage de Pablo Picasso, producido en 1913. Representa a una serie de objetos y fragmentos de papel agrupados en una mesa, el borde ovalado de los cuales se ha elaborado sin apretar en la parte inferior derecha de la composición. Las formas abstractas de una guitarra, vidrio y botella de vino de corte blanco, gris y negro, los papeles de colores se yuxtaponen con las líneas dibujadas indican otros elementos de la forma de cada objeto. La palabra "Vieux", escrita a mano en el cuello de la botella, es oscurecida en parte por, y se solapa, las formas negras. Dos piezas cortadas del mismo periódico Le Figaro – es la cabecera del periódico– se pegan en ángulo recto hacia el centro.

La siguiente obra de arte del museo “La celosía”, obra de Juan Gris (1887-1927), realizada con aguada, papel, tiza y carboncillo sobre lienzo, están datado en 1927; tiene unas medidas 92.1 x 72.7 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

El cuadro representa una persiana veneciana parcialmente cerrada, a través del cual la luz ilumina una copa de vino y proyecta su sombra sobre la superficie de una mesa de madera. Planos lisos en negro y gris indican las zonas de sombra y de la luz que juega en toda la superficie del vidrio. La luz azul y blanca se ha utilizado para poner de relieve, otros pasajes de la luz y la sombra hacia abajo los extremos ciegos, el lado derecho del cristal y alrededor de la forma de tabla. El tallo de la copa ha sido vagamente esbozado con tiza blanca para dar un sentido de forma.

La siguiente obra de arte del museo “Regalo”, obra de Man Ray (1890-1976), realizada con hierro, están datado en 1921; tiene unas medidas 17.8 x 9.4 x 12.6 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

Es uno de los iconos más famosos del movimiento surrealista. Se compone de una plancha plana continental para ser calentada en una estufa, transformado aquí en un objeto perturbador, no funcional, mediante la adición de una sola fila de catorce uñas. La transformación de un elemento de la vida doméstica ordinaria en un objeto extraño, innombrable con connotaciones sádicas ejemplifica el poder del objeto dentro del surrealismo para escapar de la regla de la lógica y la identificación convencional de las palabras y los objetos. Man Ray dijo una vez: “Hay objetos que necesitan nombres”.

La siguiente obra de arte del museo “Objeto Marino”, obra de Eileen Agar (1899-1991), realizada en terracota, están datado en 1939; tiene unas medidas 42 x 34 x 23 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

A pesar de su conocimiento de las principales figuras del Surrealismo Europeo, Eileen Agar se manifestó en las estrategias surrealistas aparentes en su propio trabajo durante la década de 1930, ella no se adhirió a la política radical de sus homólogos europeos. En 1936 fue invitada por Herbert Read y Roland Penrose a exhibir su trabajo en el Surrealista Internacional de Exposiciones en el New Burlington Galleries, Londres. La notoriedad de la exposición elevó el perfil público de Agar considerablemente y, en 1937, fue uno de las pocas artistas solicitado que presente trabajo para el Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo exposición celebrada en el Museo de Arte Moderno, Nueva York.

La siguiente obra de arte del museo “La Fuente”, obra de Marcel Duchamp (1899-1991), realizada en porcelana, están datado en 1917; tiene unas medidas 42 x 34 x 23 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

Es una obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. En ese año expuso un inodoro en el museo de Nueva York, este trabajo lo tituló “La Fuente” (Fountain) y lo firmó como "R. Mutt". Es una pieza denominada readymade, (también como un objeto encontrado, del francés objet trouvé), habla del arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Con esta obra, Duchamp inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado –una galería o un museo– y la declarara como tal. Además, la obra ha sido interpretada de infinidad de maneras, incluso como órganos sexuales femeninos.

Las bases de la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza establecían que todas las obras serían aceptadas, pero la Fuente fue retirada rápidamente. El inodoro original se ha perdido. La obra es considerada como un hito importante en el arte del siglo XX. Las réplicas echar por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.

La siguiente obra de arte del museo “El tributo americano al pueblo inglés”, obra de Louise Nevelson (1899-1988), realizada en madera pintada, están datado en 1960-1964; tiene unas medidas 311 x 442 x 92 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Louise Nevelson (Sala 7)

La escultura abstracta realizada en color oro está compuesto por treinta y cinco cajas de madera con poca profundidad como un libro abierto, ensamblado en una forma monumental de más de cuatro metros de largo y tres metros de altura. Pertenece a la serie de esculturas “pared” de Nevelson, y la mayoría de las cajas están dispuestas para formar un plano elevado, aplanado como una escultura en relieve, que se coloca contra la pared de la galería. En cada lado, un grupo inferior de cajas sobresale en ángulo recto hacia el espectador, la creación de un espacio de poca profundidad, que encierra. Las cajas, cuyos frentes abiertos están orientadas hacia delante.

La siguiente obra de arte del museo “Pared negra”, obra de Louise Nevelson (1899-1988), realizada en madera pintada, están datado en 1959; tiene unas medidas 264.2 x 216.5 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Louise Nevelson (Sala 7).

Nevelson comenzó a hacer relieves apilando cajas y cajas de madera, cada una de las cuales contendrían objetos encontrados que ella recogió mientras caminaba por las calles de la ciudad de Nueva York. Muro Negro es un ejemplo temprano de este enfoque, llena de trozos de madera de desecho, tales como recortes de carpintería y fragmentos de muebles. Los elementos dispares se unifican al ser pintada de negro, un color que sugiere Nevelson hará que cualquier aspecto material sea más distinguido.

La siguiente obra de arte del museo “Embriología”, obra de Magdalena Abakanowicz (1930-), realizada en arpillera, gasa de algodón, cuerda de cáñamo, nylon, están datado en 1978-1980; Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Magdalena Abakanowicz (Sala 9).

La embriología es una colección de objetos de distintos tamaños, hechos de varias telas toscas y rellenas. Una vez instaladas, las formas de presentación anárquica se acumulan en grandes grupos que el espectador puede entrar. Los objetos habitan en un lugar ambiguo, perturbadora entre los organismos, materia orgánica y roca. Mientras aparecen firmes y pesadas, las costuras y cortes del tejido traicionan su suavidad. Sus formas son evocadoras y parecen las formas de un capullo larvario, algo que también sugiere el título de la serie, Embriología. Magdalena Abakanowicz hizo estas obras para reflexionar sobre la regeneración y el desarrollo de los sistemas nerviosos humanos y de los animales, los temas que se discutió con los científicos en Polonia durante la década de 1970. Los materiales y la escala de este trabajo son ejemplos de la preocupación de Abakanowicz por la superficie, la textura y la serialidad.

La siguiente obra de arte del museo “Díptico de Marilyn”, obra de Andy Warhol (1928-1987), realizada en acrílico sobre lienzo, están datado en 1962; tiene unas medidas de 205,4 x 144,8 cm.; Tema: Nivel 4: Media Networks. Habitación: Andy Warhol y Las Guerrilla Girls (Sala 1).

El Díptico de Marilyn es una serigrafía realizada por el artista de pop americano Andy Warhol. La pieza es una de las obras más conocida del artista y ha sido alabada por muchos críticos culturales convirtiéndola en un icono del siglo XX.

El trabajo se completó durante unas semanas después del fallecimiento de Marilyn Monroe en agosto de 1962. Contiene cincuenta imágenes de la actriz, todas basadas en una fotografía publicitaria de la película Niagara (1953).

Los veinticinco cuadros situados en el lado izquierdo del díptico son de colores brillantes, mientras que los veinticinco de la derecha se muestran en blanco y negro. Se ha sugerido que la relación entre el lado izquierdo y el lado derecho de la obra es evocadora de la relación entre la vida de la celebridad y la muerte. El trabajo ha recibido el elogio de escritores como el académico y crítico cultural estadounidense Camille Paglia, quién escribió Glittering Images en el 2012, alabando la forma en que se muestra la «multiplicidad de significados» en la vida y el legado de Monroe.

La siguiente obra de arte del museo “Maiastra”, obra de Constanton Brancusi (1876-1957), realizada en bronce sobre una base de piedra caliza, están datado en 1911; tiene unas medidas de 90,5 x 17,1 x 17,8 cm.; Tema: Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2)

Mientras trabajaba en París Brancusi conservó una fuerte asociación con las tradiciones de su país natal, Rumanía: Maiastra ejemplifica esta inspiración. La forma pulida evoca un pájaro de oro con poderes milagrosos, que incluía en los cuentos populares rumanos. Las formas de aves talladas de la base de piedra se relacionan con la decoración popular rústica. Haciendo hincapié en una conexión con la naturaleza idealizada, Brancusi había programado originalmente toda la escultura en una alta columna de madera en el jardín de su primer propietario, el fotógrafo Edward Steichen.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “Busto de mujer”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1937; tiene unas medidas de 81 x 65 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

Representa a una mujer cuyo cuerpo está dibujado en un estilo semi-abstracto. La cara está pintada la mitad en blanco y la otra mitad en gris, lo que sugiere la luz y la sombra, mientras que las líneas verticales y horizontales púrpuras rojas en las mitades superior e inferior de la tela proporcionan un fondo caótico. El vestido de la mujer es de color verde, y este color es recogido en el copa de su sombrero, como es el amarillo de su pelo.

Picasso pintó Busto de una mujer en París el 5 de mayo de 1944, durante los últimos meses de la ocupación nazi. Aunque su trabajo en tiempos de guerra es a menudo visto como austeramente monocromática, cuanto mayor sea la coloración de este trabajo puede sugerir la posibilidad de la liberación. Su modelo era la fotógrafa Dora Maar y la pintura muestra la fisonomía típica que se la atribuyó y que había aparecido en forma sumamente angustiosa siete años antes en la Mujer llorando 1937. En Busto de mujer, Maar se muestra con un sombrero y ropa de color verde, y se sienta en una silla de metal negro. La estructura angular y plana de la cara se logran con una simplicidad lineal, lo que permite la orientación del contraste de la nariz y la boca.

El siguiente cuadro es “Formas únicas de continuidad en el espacio”, obra de Umberto Boccioni (1882-1916), realizado en bronce, esta datado en 1910; tiene unas medidas de 117,5 x 87,6 x 36,8 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

En los primeros años del siglo XX, la industrialización se extendió por toda Italia. El movimiento futurista fue fundado por escritores y artistas como Umberto Boccioni, que con entusiasmo sobre los nuevos inventos tales como automóviles y la electricidad. En Formas únicas de continuidad en el espacio, la figura se deforma aerodinámicamente por la velocidad. Boccioni exagerando el dinamismo del cuerpo para que encarna el impulso hacia el progreso. La escultura puede reflejar las ideas del cuerpo mecanizado que aparecían en los escritos futuristas.

El siguiente cuadro es “Carnaval”, obra de Max Beckmann (1884-1950), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1920; tiene unas medidas de 186,4 x 91,8 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

Este trabajo representa el punto culminante del Carnaval, una temporada de fiestas de disfraces, bailes de disfraces y desfiles callejeros acompañados de música y el baile. Los dos personajes pudieran ser amigos cercanos de la artista, que posiblemente está representado por el payaso enmascarado. La obra de Beckmann, con sus figuras grotescas y distorsionadas, resume lo que los nazis consideraban era un arte degenerado. Fue despedido de su puesto de profesor en Frankfurt en 1933. Varias de sus obras fueron incluidas en el programa Arte degenerado 1937, que lo impulsaron a abandonar Alemania para trasladarse a Ámsterdam.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “Botella de ron y periódico”, obra de Juan Gris (1887-1927), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1913-1914; tiene unas medidas de 46,7 x 37 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

Juan Gris comenzó a pintar en un estilo cubista en 1912 y, bajo la influencia de sus amigos cercanos Picasso y Braque, progresó rápidamente a través del cubismo analítico, con sus formas facetadas y las cambiantes perspectivas, al cubismo sintético, utilizando planos lisos superpuestos de color y de textura.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “Cuenco de fruta, violín y botella”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1913-1914; tiene unas medidas de 46,7 x 37 cm. Se expone en el Serie: Constelaciones. Habitación: Pablo Picasso - Cuenco de fruta, violín y Botella.

Esta escena de sobremesa, con su periódico (pintado) frutero, el violín, la botella y, se construye a partir de áreas de color que se asemejan recorte de hojas de papel. El fondo se ha dejado en blanco. Picasso y Braque habían estado haciendo collages que experimentaron con la representación y la realidad desde 1912. Pronto comenzaron a simular la apariencia de materiales de collage en sus pinturas al óleo, a veces añadiendo arena a la pintura para dar una realidad aumentada a la superficie del cuadro.

La siguiente obra es “¿Quién es el dueño de qué?”, obra de Barbara Kruger (1945-), realizado en serigrafía fotográfica en vinilo, esta datado en 2012; tiene unas medidas de 292,5 x 279,6 cm. Se expone en el Serie: Nivel 4: Media Networks. Habitaciones: Explora Media Networks (Sala 5).

Es una gran serigrafía fotográfica en vinilo mide casi tres metros cuadrados. Representa una mano que sostiene una pequeña caja entre el pulgar y el dedo índice contra un fondo negro llano. La pregunta provocativa ¿quién posee qué? se superpone en letras mayúsculas blancas sobre fondo rojo a lo largo del lado de la caja. Este objeto se asemeja a la forma y tamaño de una cajetilla de cigarrillos, con el texto que cubre el espacio en el que estaría la marca. Al igual que en muchas de las obras de Kruger al gran tamaño del vinilo y el tratamiento gráfico del texto trata de imitar deliberadamente el lenguaje de la publicidad.

Como nos sucede en todos los museos somos los últimos en abandonarlos, siempre llevamos a los cuidadores a nuestras espaldas hasta la puerta y en esta ocasión no iba a ser menos.

Son las 18,00 horas pasadas cuando salimos del museo Tate, ahora ya no podemos hacer muchas más cosas, incluso el hecho de ir de compras en Londres también es un problema.

A última hora de la tarde la dedicamos a la compra en Londres, hemos elegido la visita al Victoria's Secret of London, se encuentra en la esquina de las calles Brook Street con New Bond Street. Cogemos el metro en Blackfriars y en una parada de la línea roja en la central una estación hasta Bank, trasbordo línea morada y seis minutos más llegamos a Bond Street.

Salimos en plena calle Oxford Street, ya no tiene la efervescencia de un día de compras porque ya casi todos los comercios están cerrados, todavía tenemos tiempo de cambiar 100 euros en una oficina de cambios de la misma calle, conseguimos un cambio de 1 libra 1,25 euros.

La tienda de Victoria's Secret of London, se encuentra en la esquina de las calles Brook Street con New Bond Street. Tiene una cosa buena porque por su horario hasta las 21,00 horas puedes dejarla para la ultimísima hora de la tarde y aprovechar mejor el tiempo.

La compañía que lleva la gestión de la franquicia Victoria's Secret se hizo famosa por la cantidad de supermodelos que trabajaron para presentar sus novedosos modelos, entre otras: Miranda Kerr, Valeria Mazza, Alessandra Ambrosio, Doutzen Kroes, Gisele Bündchen, Candice Swanepoel, Erin Heatherton, Elsa Hosk, Adriana Lima, Izabel Goulart, Chanel Iman, Behati Prinsloo, Ivana Crites, Tyra Banks, Naomi Campbell, Karolina Kurkova, Heidi Klum, Brooklyn Decker, Eugenia Silva, Inés Rivero, Rosie Huntington, Lindsay Ellingson, Karlie Kloss, Lily Aldridge, Barbara Palvin o Cara Delevingne.

Cada año, de veinte a cuarenta de las mejores modelos del mundo de la moda son seleccionadas para caminar en el desfile de moda de la compañía. En un año la empresa contrata alrededor de media docena de mujeres, y se publicitan como «las ángeles de Victoria's Secret», que ayudan a difundir la personalidad de la marca.

La tienda nos ofrece unos escaparates que definen el espíritu de la compañía mostrando lo que ellos llaman con las estrellas del desfile: los ángeles han aterrizado en Londres, donde se ven los modelos de lencería rodeadas de grandes y glamurosas alas blancas.

El interior de la tienda Victoria Secret en Londres, es impresionante por lo lujosa y bonita que es, cuenta con varias plantas comunicadas con una escalera donde se proyectan en distintos paneles escenas de las fiestas y desfiles de las mejores modelos del mundo. Entre los modelos de lencería que exponen es difícil no encontrar algo que verdaderamente te guste porque además las tallas que ofrecen cada modelo es imposible que no encuentres la tuya.

En una de sus plantas vemos en la tienda la submarca Pink, fue fundada en 2004 y dirigida a adolescentes y jóvenes universitarias, vende lencería, pijamas, productos de belleza y accesorios acordes a su edad.

La verdad es que todo este lujo se paga y cuando das la vuelta a la etiqueta te llevas la sorpresa que es difícil encontrar una prenda que baje de las 20 libras pero esto no sirve de impedimento para que muchas chicas de corta edad hagan cola con sus nuevas adquisiciones. Vemos muchas chicas jóvenes musulmanas con sus velos que no tienen ningún problema para comprar las prendas mas sexys, diminutas y ajustadas, es un síntoma de normalidad comercial.

Poco antes de las 21,00 horas llegamos a la estación de metro Waterloo, rápidamente tenemos que espabilar para poder coger el tren de regreso a Windsor. En poco más de 50 minutos estamos en nuestro destino.