La maja desnuda es una de las más célebres obras de Goya. El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800. Luego formó pareja con “La maja vestida”, datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy. La maja desnuda es una de las más célebres obras de Goya. El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800. Luego formó pareja con “La maja vestida”, datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy.En esta pintura se retrata de cuerpo entero a una hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer real, contemporánea a Goya, e incluso en su época se le llamó “la Gitana”.Se ha especulado con que la retratada sea la Duquesa de Alba, pues a la muerte de esta en 1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos “majas”, en forma similar a lo ocurrido con la “Venus del espejo” de Velázquez. Sin embargo no hay pruebas definitivas ni de que este rostro pertenezca al de la duquesa ni de que no hubiera podido llegar la “Maja desnuda” a Godoy por otros caminos.En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por el predominio de una gama cromática fría se nota la influencia del neoclasicismo, si bien Goya va mucho más allá.Aunque se ubica dentro de la estética del neoclasicismo, esta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y actitud corporal de la modelo, que parece sonreír satisfecha y contenta de sus gracias. Más aún, es la primera obra de arte (conocida) en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición.Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos.Si en la cultura occidental hasta Goya y desde hacía siglos casi siempre se recurría a subterfugios para representar a la mujer desnuda, en la “Maja desnuda” tenemos a una mujer real.Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida mediante su brillo y delicadeza.
Saturno devorando a sus hijos es una de las Pinturas Negras realizadas por Goya más desgarradoras y trágicas. Saturno devorando a sus hijos es una de las Pinturas Negras realizadas por Goya más desgarradoras y trágicas.Goya, igual que hizo Rubens en su “Saturno” para la Torre de la Parada, ha elegido el momento en que el dios del tiempo desgarra el cuerpo de su hijo para que ninguno pudiera destronarle. Pero Júpiter escapó al rito antropófago de su padre y consiguió acabar con su tiranía. Un espacio totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la que destaca su deformidad y su rostro monstruoso. Es una magnífica representación de como el tiempo lo devora todo, una de las obsesiones del pintor. La restauración que sufrió la obra al ser pasada del muro al lienzo fue bastante libre y decepcionante, aunque hay que advertir que había perdido grandes zonas de pintura, sobre todo en los ojos. La mayor parte de los expertos coinciden en plantear que la avanzada edad de Goya motivaría una decoración en la que primaba la melancolía y la tristeza por el tiempo pasado, aunque también se hagan referencias al presente. Incluso se ha llegado a ver en esta escena una imagen de Fernando VII devorando a su pueblo.
Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes es un óleo de tema histórico que Goya presentó a un concurso de pintura convocado por la Academia de Parma el 29 de mayo de 1770. La obra se encuentra en la Fundación Selgas-Fagalde sita en El Pito (Cudillero, Asturias) Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes es un óleo de tema histórico que Goya presentó a un concurso de pintura convocado por la Academia de Parma el 29 de mayo de 1770. La obra se encuentra en la Fundación Selgas-Fagalde sita en El Pito (Cudillero, Asturias)Goya marchó a Italia, sufragándose el viaje por sus propios medios, en 1770 con el objeto de aprender de los grandes maestros italianos. En una de sus estancias, en Parma, decide presentarse a un concurso cuyo tema era obligatorio y consistía en representar en un cuadro a Aníbal vencedor contemplando por primera vez Italia desde los Alpes.
En efecto, el cuadro muestra a Aníbal erguido en actitud dinámica, girado el cuerpo hacia un ángel (o genio) que le señala el paisaje Italiano, desde un otero rocoso, y alzándose la visera del yelmo. A su lado izquierdo hay un jinete abanderado y tras él un cielo nuboso del que baja la Victoria en su carro, con la mano en la rueda (posible alusión a la cambiante Fortuna) que porta una corona de Laurel. Parte de la caballería de Aníbal comienza a bajar hacia el valle al extremo derecho del cuadro y al fondo y en la izquierda se vislumbra una batalla. En primer término y de espaldas, contemplando y enmarcando la composición, aparece un robusto cuerpo humano con cabeza de buey, alegoría del río Po, que vierte un recipiente de donde manan las fuentes de este río, como prescribía la representación de la Lombardía en la figuración iconológica de Cesare Ripa.La composición inicial pudo inspirarse en el bajorrelieve de José Arias. En este concurso, en la modalidad de pintura tomó Goya parte tembién, por lo que es muy probable que el aragonés hubiera tomado apuntes del relieve de Arias que luego reutilizó en el diseño del personaje de Aníbal (enormemente coincidente, incluso en la postura con el Trajano que centra la composición del escultor) y en las líneas generales de la composición del cuadro.
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