Luego Caravaggio se asentó en Sicilia. Continuó realizando trabajos bien pagados, como “La sepultura de Santa Lucía”, “La resurrección de Lázaro” y “La adoración de los pastores”. Su estilo siguió evolucionando, con la particularidad de que ahora se mostraban en sus cuadros figuras aisladas ante un enorme vacío. Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. Ya había obtenido perdón, gracias al nuevo Papa, el cardenal Camilo Borghese y pudo regresar a Roma. En Nápoles realizó “La negación de San Pedro” y “El martirio de Santa Úrsula”, su última pintura. Nuevamente, el estilo de Caravaggio evolucionaba. En Nápoles fue víctima de un intento de asesinato. Al recuperarse pintó “Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista”, mostrando su propia cabeza en el plato, En ese mismo tiempo pintó “David con la cabeza de Goliat”. Una de sus obras más conocidas de la época es “La negación de San Pedro”.
La Muerte de la Virgen es una obra maestra de Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606 y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París. La Muerte de la Virgen es una obra maestra de Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606 y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París.Es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María. Este cuadro se realizó en un tiempo en que el dogma de la Asunción de María no se había enunciado formalmente ex cátedra por el papa. Aunque su asunción en cuerpo y alma sea un dogma, no hay evidencia documental en relación con la muerte de la Virgen. La pintura recuerda al “Entierro de Cristo” en el Vaticano en cuanto a su tamaño, sobriedad y el naturalismo fotográfico. Su naturalismo es típico de la Contrarreforma.Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo. Por otro lado, la María de Caravaggio sí está muerta. No representa una asunción sino su muerte, con la mano apuntando al suelo. Sus contemporáneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta.Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. Caravaggio, maestro de los lienzos oscuros y tenebristas, no está interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones. Los gemidos discurren en un silencio emocional sin rostro. El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se arrodilla, a su lado, quizá sea Juan el Evangelista.La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un cuadro fúnebre. Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motivó su rechazo. Para comprender el cuadro se ha de tener presente que Caravaggio estaba próximo a las posiciones pauperísticas de muchos movimientos religiosos contemporáneos, como los Oratorianos. La Virgen es retratada como una joven, porque representa alegóricamente la Iglesia inmortal, mientras que el vientre hinchado, simboliza la gracia divina de la que está "grávida".Se trata de una obra trascendental dentro de la historia de la pintura. El tema sagrado se ha despojado de todo manierismo e irrealidad. Los personajes se representan según modelos del natural, personas del pueblo, y se iluminan de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la pérdida de un ser querido.
La negación de San Pedro es uno de los últimos cuadros de Caravaggio. Actualmente se exhibe en Nápoles. En el claroscuro, dos mujeres señalan con sus dedos a Pedro, mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo. La negación de San Pedro es uno de los últimos cuadros de Caravaggio. Actualmente se exhibe en Nápoles. En el claroscuro, dos mujeres señalan con sus dedos a Pedro, mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo.Caravaggio, en esta obra de sus últimos años, ha sintetizado hasta su máximo extremo la narración de la escena. Resulta difícil identificar el tema, la Negación de San Pedro, que solamente puede rastrearse en los gestos de los personajes. Éstos se han visto reducidos a tan sólo tres, Pedro, una mujer y un soldado. Además, están captados de medio cuerpo y se encuentran aislados de cualquier referencia paisajística o arquitectónica. Así pues, como decíamos, tan sólo los gestos y las expresiones nos permiten establecer que se trata de la Negación: San Pedro, como un viejo vestido con una túnica pobre y el manto marrón, se señala con gesto sorprendido y dice algo con energía, al tiempo que evita la mirada del soldado. La mujer se dirige al soldado y señala a Pedro, identificándole como seguidor de Cristo. La figura del soldado queda totalmente en la oscuridad. Destaca la coraza y el casco, a la moda romana del siglo XVII.
Salomé con la cabeza de Juan el Bautista es un cuadro de Caravaggio, realizado en 1607. El cuadro muestra a Juan el Bautista tras ser decapitado, algo muy común en la pintura barroca italiana. Salomé, con un aire de frialdad, siente haber cumplido su misión. Ensangrentada, la cabeza del Bautista no es otra que la del propio Caravaggio. |
